Cours en ligne - LinkArtStories

Créer différents marron avec 3 couleurs

LinkArtStories — Thu, 26 Oct 2023 14:00:00 +0000

Je vous donne mes conseils pour créer des marron naturels et vibrants avec seulement 3 couleurs et un noir. Il y aura la terre d’ombre brûlée, la terre de sienne brûlée, l’ocre jaune, le caput mortuum et le sépia.

Je vous explique aussi quelles sont les bonnes couleurs à choisir, quelle quantité mélanger pour réussir à coup sûr ses mélanges, quels pigments ajouter en premier par rapport à l’autre couleur.

Vous trouverez également une couleur bonus, alors regardez bien la vidéo jusqu’à la fin !

Matériel de l’article

✏ Papier Canson Imagine Mix media

✏ Acrylique Winsor & Newton (Alizarine cramoisie, Rouge de naphtol, Bleu outremer, Bleu phtalo, Noir de mars, Blanc de titane)

✏ Acrylique Lefranc-Bourgeois (Jaune moyen)

Quelles sont les combinaisons de couleurs possibles :

Les couleurs complémentaires

Mélanger les couleurs complémentaires entre elles permettent d’obtenir trois marron distincts.

Nous avons déjà le premier groupe bleu + orange qui donne de la terre d’ombre brûlée.

Puis, le deuxième groupe qui se compose du magenta + vert crée de la terre de sienne brûlée.

Enfin, le troisième groupe où le violet est ajouté au jaune donne de l’ocre jaune.

Le mélange des 3 couleurs primaires

Si l’on mélange les trois couleurs primaires à parts égales, on obtient du marron type caput mortuum, c’est-à-dire un marron tirant légèrement sur le bordeaux.

Le mélange des 3 couleurs primaires avec du noir

Ajouter un peu de noir à du vert foncé puis un peu de magenta donnera un marron très foncé de type sépia.

Quelles couleurs primaires choisir ? :

Toutes les couleurs primaires ne se valent pas pour obtenir de jolis mélanges naturels et vibrants.

Tout d’abord, il est important de préciser que ce que l’on nomme communément rouge primaire est en réalité du magenta (un rouge-rose) et est essentiel pour créer de bons mélanges. On évite donc autant que possible d’utiliser du rouge en remplacement du magenta sauf si l’on a besoin de ce pigment pour réaliser le futur mélange que l’on a en tête.

Il est aussi mieux de privilégier des couleurs naturels, donc plus désaturées, et de ne pas avoir trop de pigments vifs.

Pour réaliser les mélanges j’ai choisi du jaune moyen, de l’alizarine cramoisie et du bleu outremer.

Quels mélanges pour créer les 3 marron les plus courants ?

Terre d'ombre brûlée

La terre d’ombre brûlée s’obtient facilement en combinant le bleu au orange. Il faut déjà créer un orange avec le jaune et l’alizarine. J’ajoute les deux couleurs en même quantité pour avoir un orange qui tire plus sur l’alizarine mais qui contiendra assez de pigments jaunes.

Ensuite, j’ajoute une petite quantité de bleu. Il sera toujours plus aisé de commencer petit à petit plutôt que de mettre trop de bleu et d’obtenir un mélange boueux.

Terre de sienne brûlée

La terre de sienne brûlée est créée en ajoutant un peu de bleu au jaune pour obtenir un vert clair ce qui permet d’avoir une terre de sienne plus lumineuse.

Puis, on ajoute l’alizarine. Plus il y aura d’alizarine plus le marron sera rouge.

Ocre jaune

L’ocre jaune est en fait un jaune désaturé par du violet.

Tout d’abord j’ai mélangé l’alizarine et le bleu à part égales pour avoir un violet neutre.

Pour finir, il faut ajouter de petites quantités de violet au jaune et non l’inverse. Plus on met de violet plus le jaune sera désaturé et se rapprochera du gris.

En général, la couleur qui est ajoutée ne dépasse pas 10 % de la quantité de la couleur qui reçoit.

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Perspective atmosphérique paysage d’automne

LinkArtStories — Wed, 11 Oct 2023 14:00:00 +0000

La perspective atmosphérique permet de donner de la profondeur à un paysage. Ici je vous montre cette particularité sur un paysage d’Automne.

Le pont arrondi ajoute une autre difficulté à ce pastel sec puisqu’il faut arriver à le construire correctement. C’est un point important que je développe longuement dans la vidéo.

Enfin, je donne une astuce pour créer l’effet brumeux facilement.

Pour ne manquer aucun conseil, suivez bien la vidéo !

Matériel de l’article

Photo de référence : Forêt féérique

✏ Papier pastelmat de Clairefontaine

✏ Pastel bâtonnet Rembrandt (Ocre jaune 227.5, Terre de Sienne brûlée 411.5, Terre d’ombre brûlée 409.5, Blanc 100.5)

✏ Pastel bâtonnet Sennelier (131)

✏ Crayons pastel Faber-Castell Pitt (175,180, 186, 280, 103, 188, 283)

✏ Crayon pastel Caran d’Ache (901 blanc de chine)

✏ Estompe papier

Le pont arrondi :

Perspective atmosphérique en arrière-plan :

Pour créer cette perspective atmosphérique, je pars des cotés externes avec la couleur terre de sienne brûlée puis ocre jaune et enfin beige.

Avant d’ajouter la nouvelle couleur, j’estompe pour répartir les pigments uniformément sur le pastelmat.

Puis, je dépose du beige au centre et j’écarte les pigments vers l’extérieur avec mon doigt pour créer des traces sur le dégradé que je viens de réaliser.

Enfin, au centre, je peins un rond blanc pour illuminer encore plus l’arrière-plan.

En ce qui concerne l’effet de perspective atmosphérique, je l’accentue grâce à la création d’arbres. Je me sers d’un même crayon marron que je vais plus ou moins appuyer sur le papier. Moins j’appuie, plus l’arbre semble loin. Plus j’appuie, plus je le rapproche. Pour apporter encore plus de fondu et de flou, je passe l’estompe sur certains arbres.

Il ne faut pas non oublier que les arbres éloignés seront plus petits (on peut les voir en entier) alors que ceux qui sont près de nous sont plus grands (on ne voit qu’une partie du tronc).

Dégradé du pont :

Une fois que l’arrière-plan est fini, je passe au dégradé du pont qui est plus marqué que celui du paysage.

Au trois couleurs que j’avais choisies, j’ajoute une quatrième, la terre d’ombre brûlée.

Je dépose les pigments dans le sens des planches (donc horizontalement) et des balustrades (donc verticalement).

L’estompe se fait dans le même sens que la dépose pour avoir un dégradé plus abrupte et marqué.

Lames de bois, scintillement et brume :

Pour dessiner les lames de bois j’utilise trois crayons de couleurs différentes en fonctions des parties colorées du pont. Je pars d’un marron sépia jusqu’à un marron plus clair, terre d’ombre naturelle. Je procède de la même manière pour la balustrade.

Les lignes représentant les planches de bois doivent être horizontales et parallèles entre elles. Celles pour la balustrade sont parallèles entre elles. En revanche, elles sont perpendiculaires à celles des planches.

Plus on s’éloigne vers le point de fuite plus les lignes sont fines et proches entre elles que ce soit pour le plancher que pour la balustrade.

Il ne faut pas oublier de surligner au sépia la jonction entre les planches et le début des balustrades et sous le haut de la rampe.

Pour une ambiance lumineuse et féérique, je rajoute des coups de crayons blancs pour créer un effet de scintillement.

Pour finir, je frotte mon doigt sur un bâtonnet blanc et le pose à plusieurs reprises pour donner l’impression qu’il y a une légère brume.

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Bien placer une ombre portée

LinkArtStories — Wed, 27 Sep 2023 14:00:00 +0000

Savoir bien placer une ombre portée requiert déjà de construire correctement l’élément qui sera éclairé. L’esquisse est donc primordiale puisqu’il ne faut pas seulement dessiner ce que l’on voit mais aussi prendre en compte ce que l’on ne voit pas.

L’Arc de Triomphe est un tétrapyle, il m’a paru judicieux de le prendre comme modèle pour expliquer comment construire l’ombre portée mais aussi le halo lumineux émanant de l’arche de derrière.

On se sert également de la perspective à deux points de fuite. La réalisation de l’esquisse est assez complexe notamment pour bien positionner les arches.

N’hésitez donc pas à vous appuyer sur la vidéo pour avoir la totalité de mes conseils !

Matériel de l'article :

Photo de référence : Arc de Triomphe

✏ Papier Canson Mix Media Imagine, A4, 200g/m2

✏ Ink Brush Sennelier (Turquoise phtalo, Vert jaune, Vert sapin, Gris de Payne)

✏ Aquarelle White Nights (Petersburg ochre et Voronezhskaya black (sépia))

✏ Pinceaux gamme Azur de la marque Léonard, pointe ronde taille 0

✏ Crayons de couleur terre d’ombre et gris Faber Castell

✏ Stylo encre noire Faber Castell Pitt

✏ Stylos de couleur gris

Démonstration :

La construction du tétrapyle :

Cliquez sur les images pour les agrandir !

Dans un premier temps je dois construire un tétrapyle correct avant de pouvoir lui ajouter une ombre portée.

J’ai donc tracé la ligne d’horizon à 9cm du bas de la feuille A4 pris dans le sens du format paysage. Les deux points de fuite utilisés sont de part et d’autre de la ligne d’horizon.

En premier, je marque le bas de l’arête du pied qui sera le plus près de moi. Ce point doit être en dessous de la ligne d’horizon. À partir de ce point, je tire les traits de construction vers les deux points de fuite. Ensuite, je trace l’arête entière en hauteur pour pouvoir créer la forme complète de l’Arc. Puis, je mesure la largeur et la profondeur.

Enfin, je crée la première arche sur la face avant.

Création de l'ombre portée :

Avant de la créer, je dois continuer l’esquisse de l’Arc en dessinant l’arche qui se trouve derrière. Cette arche sera effacée ensuite, puisqu’elle n’est normalement pas visible.

Pour la tracer plus facilement, j’ai marqué l’arrière du tétrapyle en pointillé. Je m’aide toujours des points de fuite. Ce qui est primordial, c’est de pouvoir visualiser le demi-cercle qui constitue le point le plus haut de l’arche.

Une fois que j’ai dessiné cette partie qui est la plus difficile (reportez-vous à la vidéo si vous avez trop de difficultés), je place la source de lumière en arrière de l’Arc. Il se situe dans le coin de droite donc au-dessus du point de fuite. J’ai fait ce choix pour avoir une ombre portée plus simple à construire.

Ensuite, je dois allonger le sol devant le monument, pour cela je me sers des points de fuite initiaux. Puis j’aligne ma règle sur la source lumineuse, le haut de l’arête de la colonne du pied qui est près de moi, et le trait que j’ai prolongé au sol. J’obtiens donc la limite de l’ombre portée.

Enfin, je marque l’emplacement du halo lumineux qui provient de l’arche de derrière en alignant la règle sur la source lumineuse, les différents points qui forment le demi cercle de l’arche et les traits au sol qui sont la prolongation du bas de l’arche.

Je finis mon esquisse par les deux petites arches sur les côtés et les quelques ornements de l’Arc.

Mise en couleurs :

J’ai utilisé en majeure partie les Ink Brush Sennelier pour apporter de la couleur : ciel, arbres et bitume sont peints dans l’humide.

Pour les arbres je suis partie du vert le plus clair au plus foncé. Le gris du bitume doit rester très léger puisque l’on est en plein soleil et l’ombre portée doit restée visible.

Ensuite, le monument est peint avec de l’aquarelle (Petersburg ochre et Voronezhskaya black). Je l’ai d’abord peint complètement en beige avant d’ajouter sur les zones d’ombre le marron foncé. Il est d’ailleurs granuleux et apporte de la texture aux pierres.

Quand tout était sec j’ai ajouté du crayon de couleur pour intensifier certaines ombres et du stylo pour l’ajout de décoration.

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Maîtriser le pinceau biseauté à l’acrylique

LinkArtStories — Wed, 20 Sep 2023 14:00:00 +0000

Voici une vidéo assez complète, filmée en temps réel qui vous montre comment avoir la bonne texture pour créer un joli One stroke à la peinture acrylique. Le One stroke est une superbe technique pour peindre des nervures ultra facilement avec un rendu très naturel puisque chaque élément sera toujours unique.

Vous pourrez également apprendre à bien maîtriser différentes touches avec le pinceau biseauté pour réaliser des pétales, des tiges, des feuilles et un ruban.

De plus, si vous êtes abonné à ma chaîne Youtube vous pourrez participer au concours en lien avec cette vidéo. Il y a d’ailleurs un mot à trouver dans celle-ci qui vous permettra d’avoir une chance supplémentaire, alors soyez attentifs !

Matériel de l'article :

✏ Papier 200gr/m², Canson, Mix Media Imagine, A4.

✏ Peinture acrylique Lefranc Bourgeois (Violet Dioxazine, Jaune moyen, Vert de Vessie, Terre d’ombre brûlée)

✏ Peinture acrylique Liquitex (Blanc de titane)

✏ Pinceau biseauté Princeton

✏ Pinceau Mop Silver silk

Démonstration :

La construction de l'esquisse :

La construction d’une esquisse est super importante. C’est elle qui conditionnera votre facilité à réussir un joli bouquet.

Je ne reviens pas en détails sur la façon de bien composer le bouquet car ce n’est pas le sujet.

Cependant, je vous encourage à procéder comme j’ai dessiné sur ma feuille. Ainsi, les fleurs seront correctement orientées, les tiges faciles à positionnées et vous aurez des repères pour commencer le haut de vos pétales et les finir au bon endroit.

De manière succincte, les fleurs centrales auront un cercle avec un rayon à peu près égale partout alors que les fleurs de droite auront une ellipse avec le rayon de droite plus long que celui de gauche par rapport au centre. De même, les fleurs de gauche auront une ellipse dont le rayon sera plus long à gauche qu’à droite par rapport au centre.

Les pétales et les feuilles :

La technique du One stroke consiste à mettre plusieurs couleurs (2-3) sur un même pinceau pour ensuite avoir des couleurs qui se mélangent de façon aléatoire en formant des filaments rappelant les nervures des pétales ou des feuilles par exemple.

Le pinceau a été humidifié au préalable. Je le trempe dans le jaune car je veux une base jaune pour les pétales. Puis, j’ai seulement trempé le bout des poils dans du violet dioxazine. Je ne mets pas trop de violet pour ne pas qu’il recouvre complètement le jaune.

Ensuite, je vais poser le pinceau sur le papier, je l’écrase en l’inclinant vers moi puis je le recule et je relâche un peu avant d’arriver au point central qui représente le cœur de la fleur.

Le processus sera le même pour peindre les feuilles, hormis la couleur qui va changer. La couleur verte sera la couleur de base et le jaune permettra d’illuminer le vert.

Comme le jaune est une couleur assez peu couvrante, je peux mettre beaucoup plus de peinture sur mon pinceau. Elle ne prendra pas le dessus face au vert.

Tige, cœur et ruban :

La tige aurait pu être réalisée en One stroke mais j’ai préféré la laisser en vert de vessie. Je l’ai peinte avec le pinceau biseauté qui, je trouve, apporte plus de stabilité pour tracer des lignes et des courbes.

Les cœurs des fleurs sont peints avec le pinceau mop qui amène une texture un peu translucide à certains endroits créant l’effet d’étamines. Je le tiens bien à la verticale et je le tapote sur la feuille.

Attention, les centres doivent être peints en fonction de la forme de la fleur. En effet, si la fleur est de face, le centre sera rond. En revanche, si la fleur est de côté, le centre aura la forme de l’ellipse comme pour l’esquisse.

Enfin, le ruban est peint au One stroke pour amplifier l’effet de mouvement des boucles et des bouts qui pendent. Le violet a été mélangé au blanc pour ajouter de l’opacité car il doit recouvrir le vert des plantes.

Les mouvements réalisés sont assez complexes à décrire, veuillez vous reporter à la fin de la vidéo pour observer en détails la technique utilisée.

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Peindre des nervures à l’aquarelle

LinkArtStories — Wed, 30 Aug 2023 14:00:00 +0000

Ce trèfle à quatre feuilles va nous servir à nous entraîner à créer de belles fusions entre les couleurs et à comprendre quel doit être le degré d’humidité du papier pour les réussir à coup sûr. Dans la vidéo, vous verrez précisément les différentes étapes de séchage du papier grâce à sa brillance.

Je vous montrerai également quel pinceau avoir et comment l’utiliser pour peindre de jolies nervures.

Si vous ne voulez rater aucun conseil ni aucune info (il y a peut-être bien une annonce à la fin de la vidéo) regardez-la bien jusqu’à la fin !

Matériel de l'article :

✏ HAHNEMÜHLE WATERCOLOR BOOK 100% COTTON FOR WATERCOLOR 250 G (30 feuilles) PORTRAIT

✏ Aquarelle White Nights (Vert de Vessie, Carmin, Violet de quinacridone, Jaune de Naples, Voronezhskaya black (environ = sépia))

✏ Pinceau rond gamme Azur de la marque Léonard

✏ Pinceau jupon n°4 marque Léonard

✏ Crayon HB Pitt Graphite Matt Faber-Castell

Démonstration :

Humidité du papier :

Après avoir peint l’esquisse, je travaille feuille par feuille.

J’humidifie avec beaucoup d’eau sans que ça ne fasse une grosse pellicule. Si c’est le cas je laisse sécher un peu. Pour bien voir l’eau, je me penche en me mettant face à la lumière du jour. Celle-ci va se refléter et il sera plus facile de voir où en est le séchage.

Puis, je commence par déposer le vert de vessie. Je vais de la bordure vers le centre.

Enfin, je laisse un peu sécher et je peins ensuite la partie bordeaux désaturée (carmin + Voronezhskaya black). La peinture doit peu s’étaler sur le papier mais elle doit quand même créer de petits filaments de pigments.

Bordures et nervures :

Si votre pinceau rond a une pointe très fine vous pouvez peindre la bordure comme je le fais dans la vidéo.

Cependant, pour réaliser des traits super fins et en continus vous pouvez opter comme moi pour le pinceau jupon qui a une touffe de pinceau rond pour retenir beaucoup d’eau surmontée d’une touffe de traceur pour des lignes ultra minces.

Vous pouvez travailler assez longtemps avec sans le recharger.

Pour que la ligne soit jolie la peinture ne doit pas être trop épaisse. Il ne faut pas non plus trop d’eau sous peine d’avoir quelque chose de trop dilué et donc pas de trait visible.

Détails :

Les bordures sont peintes avec le mélange couleur bordeaux.

Les nervures sont bicolores. Elles sont bordeaux puis vertes. J’ai repris les mêmes couleurs que pour les feuilles mais beaucoup plus pigmentées.

Attention à ce que les nervures soient symétriques et tremblotantes pour plus de naturel. Elles doivent également suivre la pliure des feuilles. Sur ma peinture la feuille de droite est pliée vers l’intérieur alors que la feuille de gauche est pliée vers l’extérieur. Les feuilles du bas et du haut sont plutôt de face.

La tige a été peinte avec un mélange de vert de vessie et de jaune de Naples. Le jaune apporte de la lumière et de l’opacité.

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Assombrir ou éclaircir du rouge au pastel sec

LinkArtStories — Wed, 23 Aug 2023 14:00:00 +0000

J’ai choisi comme sujet un glaïeul orné de fleurs rouges pour vous parler de l’éclaircissement et de l’assombrissement de cette couleur. Ici, c’est un rouge écarlate. Grâce à la superposition de différentes couches de couleurs, je vais pouvoir modifier sa valeur tout en conservant un aspect naturel, intense et propre.

Vous pourrez voir aussi comment je crée du relief sur les pétales.

Pour tout savoir sur la réalisation de cette fleur et de son fond, rendez-vous dans la vidéo dans laquelle je vous donne mes conseils !

Matériel de l'article :

✏ Papier Pastelmat (Lie de vin) de la marque Clairefontaine

✏ Coffret Bâtonnets Rembrandt (Rouge permanent 372.5, Blanc 100.5, Orange 235.9, Terre d’ombre brûlée 409.5, Vert olive 620.3 et 620.7, Cinabre vert foncé 627.5, Cinabre vert clair 626.7, Vert jaunâtre permanent 633.5, Noir 700.5)

✏ Crayons Faber-Castell Pitt (Blanc 101, Rouge Indien 192, Rouge Pompei 191, Gris chaud I 270)

✏ Estompe papier

Démonstration :

La construction de l'esquisse :

J’ai choisi de placer la plante en diagonale. Je commence par peindre un bouton avec le bâtonnet vert olive puis le rouge sans esquisse préalable. Le sujet est réalisé aux bâtonnets car je veux rester dans la simplification et la spontanéité. C’est à partir de ce premier bouton que je vais construire le reste de l’esquisse au bâtonnet rouge.

Les boutons ne sont pas détaillés, ce sont juste des traits de bâtonnets en diagonale. Cela suffit à donner une première forme.

Mise en couleurs :

Mon esquisse étant finie, je vais placer les parties les plus ombrées avec le bâtonnet Terre d’ombre brûlée. J’en profite également pour ombrer les fleurs en bouton.

La couleur terre va assombrir le rouge sans ternir la couleur contrairement au noir qui donnerait un aspect sali.

En revanche pour illuminer le rouge, j’opte pour un orange assez vif qui permet donc d’éclaircir sans affadir comme le ferait un bâtonnet blanc.

J’évite le plus possible d’utiliser le noir car il est trop brutal à l’œil et souvent, il ne représente pas la réalité.

Le fond :

Mon choix s’est porté sur un fond flou et clair que j’ai peint avec différents verts. J’ai utilisé l’estompe en papier sur la sous-couche pour bien étaler les pigments.

Ensuite, j’ai préféré estomper avec le doigt en mouvements circulaires pour avoir des transitions douces. Pour conserver plus de lumière, j’ai ajouté du blanc. Enfin, j’ai vignetté les coins avec du noir pour que les yeux se recentrent sur le milieu du pastel sec.

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Rochers : texture et ombre, peinture acrylique

LinkArtStories — Wed, 26 Jul 2023 14:00:00 +0000

Tableau à la peinture acrylique qui a pour thème des rochers sur fond de plage.

Je vous parle des couleurs choisies pour donner l’impression que les rochers sont dans un environnement lumineux. Je vous montre comment je les texture. Vous verrez aussi comment placer l’ombre portée d’un autre élément qui se projette sur le sommet d’un rocher.

Pour ne rien rater de tous les conseils, suivez bien la vidéo jusqu’à la fin !

Matériel de l'article :

✏ Papier toile Fabriano pour peinture acrylique

✏ Peinture acrylique (Terre de Sienne brûlée, Ocre jaune, Terre d’ombre brûlée, Blanc de Titane, Vert de Vessie, Noir de Mars et Bleu outremer)

✏ Pinceaux Princeton (biseauté et rond)

✏ Pinceaux Silver (Mop et liner)

Démonstration :

Couleurs des rochers :

Dans cette peinture je souhaite donner l’impression que les rochers sont baignés dans la lumière.

Je vais donc utiliser des couleurs chaudes et froides. La couleur froide est placée près du sommet et la couleur chaude sur le bas du rocher.

Entre les deux, il y a une zone de transition où les deux couleurs se mélangent pour former un gris.

En couleur chaude je vais prendre un mélange de terre de sienne brûlée et d’ocre jaune. Pour la couleur froide ce sera un gris légèrement bleuté (bleu outremer).

Placer les ombres :

Une fois que la sous-couche et l’ajout de peinture pour texturer la roche sont finis, je peins le sable en ajoutant une touche d’ocre jaune dans du blanc de titane.

Puis, je peins l’ombre portée des rochers avec une première sous-couche faite avec de la terre d’ombre brûlée. En revanche, je peins l’ombre d’occlusion avec de la terre d’ombre brûlée à laquelle j’ai ajouté un peu de bleu outremer pour la foncer.

Pour l’ombre portée des herbes qui se trouve sur le rocher du milieu, je conserve la même couleur mais dans une nuance plus claire.

Ces ombres doivent épouser la forme du rocher et s’arrêter avant d’être trop dans la zone d’ombre (partie de gauche pour cette roche). Je n’oublie pas d’ajouter des traits en décalé (sur la droite) car l’ombre se continue plus bas dans le sable.

Finitions :

Ensuite, je vais ajouter des détails. Je texture ma plage avec un beige plus foncé et des passages de pinceau sec.

Je passe aussi un glacis de beige sable sur l’ombre portée des roches pour éclaircir et flouter la bordure. De plus, j’ajoute également un glacis de gris foncé pour obtenir une ombre portée sur le rocher du haut. Enfin, je dépose du blanc de titane pur pour exacerber la lumière sur le sommet des rochers.

En finition, je peins au vert de vessie des herbes pour apporter de la couleur et de la variété à la composition.

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Palmier réaliste à l’aquarelle

LinkArtStories — Wed, 19 Jul 2023 14:00:00 +0000

Voici tous mes conseils pour dessiner et peindre à l’aquarelle un palmier de façon réaliste.

Je reviens sur le dessin des palmes, les caractéristiques du tronc. Puis je vous parle des couleurs à employer en peignant le palmier avec sa plage de sable fin.

Pour ne rien rater des conseils et astuces, regardez la vidéo jusqu’à la fin.

Matériel de l'article :

✏ HAHNEMÜHLE WATERCOLOUR BOOK 100% COTON 250 G

✏ Aquarelle Royal Talens ( Bleu turquoise, Bleu céruléen)

✏ Aquarelle White Nights (Petersburg ochre, Voronezhskaya black, Indanthrene blue light, sap green, raw sienna)

✏ Pinceaux ronds gamme Azur de la marque Léonard

✏ Pinceau à lavis Winsor & Newton

Démonstration :

Les caractéristiques du palmier :

Les palmes peuvent être vues de face, ainsi on verra deux rangées de feuilles, ou de profil et alors on ne distinguera qu’une seule rangée de feuille.

Pour qu’elles aient l’air naturel, la tige doit comporter généralement 1 à 2 cassures anguleuses.

Quant aux feuilles, elles ne doivent pas être toutes de la même longueur et elles doivent suivre les pliures de la tige. De plus, les palmes seront plus jolies si les feuilles ne vont pas toutes dans le même sens.

Le tronc, lui, est plutôt penché. On a rarement des palmiers très droits en bordure de plage. Il a également des marques irrégulières qui font ou ne font pas le tour de celui-ci.

Ciel, mer et plage :

Après avoir dessiné l’esquisse du paysage (la ligne pour la plage et celle pour l’horizon), j’ai dessiné la structure du palmier.

Puis, j’ai commencé par peindre le ciel dans l’humide avec du bleu céruléen.

Ensuite, j’ai peint la mer et la plage en même temps et en faisant attention de ne pas déborder sur le tronc. Pour les quelques vagues, il faut suivre le point de fuite qui se trouve sur la droite en hors champs (visible sur la vidéo).

Le palmier :

Dans cette dernière étape je peins le tronc dans l’humide avec une couleur de type sépia et très diluée. Puis, je le laisse sécher et je commence à peindre les palmes.

Je fais bien attention de repérer celles qui sont de face et de profil. Il y en a aussi en haut qui doivent être peintes de face. J’utilise principalement la couleur vert de vessie et je tiens mon pinceau à la verticale pour que ce soit juste la pointe du pinceau rond qui trace la feuille. Je n’appuie que très légèrement pour élargir le centre de la feuille.

Pour ajouter de la variété de feuillage, je peins, dans l’ombre, des feuilles vert foncé.

Enfin, je termine en peignant les marques du tronc et l’ombre portée au bas du celui-ci.

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Comprendre la perspective à 1 point de fuite

LinkArtStories — Wed, 12 Jul 2023 14:00:00 +0000

La perspective nous sert à donner du volume et de la profondeur dans les dessins et peintures. Cependant, elle n’est pas forcément simple à comprendre et à mettre en pratique.

Dans cette vidéo, j’évoque la perspective à un point de fuite de la manière la plus simple possible en se mettant en situation en extérieur mais aussi de manière théorique et pratique avec des croquis.

Ce sujet est très vaste, je n’ai donc pas traité toutes les possibilités qu’offre la perspective à un point de fuite.

Si vous ne voulez rien rater des conseils, suivez la vidéo jusqu’à la fin !

Démonstration :

Perspective en extérieur :

On peut facilement s’entraîner dehors avec un chemin parfaitement droit pour trouver le point de fuite, la ligne d’horizon et les lignes de perspectives.

Pour rappel, le point de fuite est l’endroit où toutes les lignes de perspective convergent. Il se situent face aux yeux du spectateur pour la perspective à un point de fuite. Il se trouve le plus souvent sur la ligne d’horizon car dans certains paysages complexes, il y a plusieurs point de fuite qui ne se trouvent pas forcément sur la ligne d’horizon.

La ligne d’horizon est dans la réalité l’endroit où le ciel rejoint la terre. On utilise également le même nom pour désigner la ligne qui se trouve au niveau des yeux du spectateur.

La ligne d’horizon rouge à droite sur la photo est à la fois la ligne d’horizon réelle et la ligne où se dirige la vision.

Théorie :

Pour comprendre la perspective et ses points de vue, l’idéal est de s’entraîner à placer des figures géométriques.

Si l’élément est au même niveau que les yeux du spectateur comme avec le rectangle du haut alors la ligne d’horizon coupe celui-ci en son centre. On y voit seulement deux faces.

Pour un point de vue du dessus, par exemple, le carré en bas va se situer en dessous de la ligne d’horizon. Plus l’élément sera bas plus on verra apparaître la face du dessus.

Inversement, sur un point de vue du dessous, l’élément se situera au-dessus de la ligne d’horizon et on verra alors la face du dessous.

De plus, plus l’élément se trouvera près du centre (près de la ligne imaginaire qui relie les yeux du spectateur au point de fuite) moins on verra sa face interne.

En pratique :

Sur le croquis de gauche, j’ai dessiné une série d’immeubles avec un point de vue du dessus puisqu’une grande partie des immeubles se situent sous la ligne d’horizon.

Les lignes verticales des immeubles restent toujours parallèles entre elles.

Les immeubles ont différentes tailles, ils n’ont donc pas tous la même ligne de perspective au-dessus de la ligne d’horizon.

J’ai également laissé un espace vide entre deux rangées d’immeubles.

En comparaison, le croquis de droite utilise la perspective à deux points de fuite. Ils sont situés hors champs.

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Lavis dégradés à l’aquarelle

LinkArtStories — Wed, 28 Jun 2023 14:00:00 +0000

Voici 4 façons de peindre des lavis dégradés. Ce sont des techniques assez simples et efficaces.

Nous allons donc voir comment dégrader un seule couleur, deux couleurs adjacentes (sur le cercle chromatique), deux couleurs complémentaires et une suite de plusieurs couleurs adjacentes.

Toutes ces techniques sont interchangeables entre elles. Cela dépend de vos goûts et de ce que vous avez en tête pour votre peinture.

N’hésitez pas à bien visionner la vidéo jusqu’à la fin pour bénéficier de tous les conseils !

Matériel de l'article :

✏ Papier 100% coton, 300gr/m², Winsor & Newton

✏ Aquarelle Winsor & Newton

✏ Pinceau à lavis Winsor & Newton

Démonstration :

Lavis monochromatique et de couleurs adjacentes :

Le lavis monochromatique est d’une seule couleur, ici j’ai choisi du bleu.

Je le dégrade en jouant sur la transparence de l’aquarelle, c’est-à-dire que plus je vais descendre vers le bas de la feuille plus je vais rajouter de l’eau à mon pinceau. Il y aura donc moins de pigments qu’au tout début.

On peut incliner la feuille pour faciliter la descente de l’eau vers le bas.

La deuxième bande est un lavis dégradé avec deux couleurs adjacentes sur la roue chromatique. J’ai choisi orange et jaune.

Je place donc une première couleur sur la moitié haute puis je dépose la seconde couleur sur la moitié basse et je remonte le jaune jusqu’à dépasser largement la bordure du orange. Ensuite, je redescends les pigments orange dans le jaune.

J’ai donc une jolie transition douce et longue entre les deux couleurs.

Lavis dégradé avec deux couleurs complémentaires :

Les dégradés avec des couleurs complémentaires ont des transitions moins jolies du fait que l’association de deux couleurs complémentaires ensemble provoque un ternissement de la couleur finale.

J’ai donc choisi de créer un dégradé court avec une zone de transition d’environ 1cm.

J’ai peint la première moitié en haut avec le vert puis je suis remontée avec le rose jusqu’à la bordure verte sans la dépasser.

J’ai ensuite pris un second pinceau humidifié qui était propre et je l’ai frotté sur la bordure des deux couleurs pour les fusionner ensemble.

Lavis dégradé multicolore :

Pour ce dernier lavis j’ai suivi le sens de la roue chromatique. Les couleurs sont donc toutes adjacentes entre elles, certaines vont donc créer de nouvelles couleurs.

J’ai commencé par le haut et je suis descendue. Il faut prévoir de descendre la couleur que l’on dépose plus loin que ce que l’on souhaite obtenir comme résultat.

Par exemple : la couleur jaune est peinte sur 5cm pour qu’au final on ne voit que 2,5cm de jaune pur ensuite il y a la partie transition avec le deuxième jaune plus foncé qui crée une couleur intermédiaire, et enfin le jaune foncé pur.

En fait, à chaque fois je dépose la nouvelle couleur sur la moitié basse de l’ancienne.

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