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Peindre avec des mines cassées pastel sec

LinkArtStories — Wed, 15 Nov 2023 15:00:00 +0000

Peindre avec des mines de crayons pastel cassées, c’est possible !

Si quand vous taillez vos mines de crayons pastel, il vous arrive de les casser, alors cet article vous donnera 4 astuces simples pour les utiliser dans vos créations de pastel sec.

De plus, dans la vidéo, vous trouverez des explications pour réaliser la composition florale. Ainsi, si vous souhaitez des conseils pour peindre les fleurs de cosmos et la fleur jaune, je vous conseille de bien écouter la vidéo jusqu’à la fin.

Matériel de l’article

✏ Papier pastelmat de Clairefontaine

✏ Bâtonnets Rembrandt (Cinabre vert foncé 627.5, Bleu de Prusse 508.7)

✏ Crayons pastel Faber-Castell (165, 170, 168, 267, 149, 180, 185, 184, 187, 102, 106, 132, 225, 169, 192, 193, 124)

✏ Crayons Derwent (P420)

✏ Estompe papier

Créer des sous-couches avec les mines cassées :

Par écrasement à sec

Les mines cassées sont idéales pour peindre des fonds.

Je place donc ma mine directement sur le papier. Je pose dessus une vieille feuille d’imprimante et avec un objet dur (un petit pot de confiture pour moi), j’écrase la mine pour la réduire en poussière.

Il peut rester quelques bouts plus gros. Ce n’est pas gênant sur papier abrasif car en passant l’estompe papier, les bouts se réduisent en poussière facilement.

Il ne reste donc plus qu’à étaler la couleur sur la surface désirée.

En mouillant directement sur la papier

Pour cette solution je dépose la mine sur le papier et à l’aide d’un pinceau et de beaucoup d’eau je la fais fondre.

Mon pinceau me sert à étaler les pigments à mesure qu’ils se déposent sur le papier.

Attention, tous les papiers pour pastel ne supportent pas l’eau. J’utilise du pastelmat de Clairefontaine qui est un papier très épais et très résistant.

Avec cette astuce, il est plus facile de peindre la sous-couche dans les endroits plus petits car le pinceau est beaucoup plus précis.

De même, les pigments recouvriront aussi plus de surfaces.

NB : on peut aussi écraser la mine à sec et venir étaler avec le pinceau gorgé d’eau.

En prélevant la couleur par pinceau

Avec cette technique, on place la mine dans une palette et on vient prendre des pigments avec le pinceau mouillé comme on viendrait se servir de l’aquarelle en godet.

On peut alors ne pas utiliser toute la mine et surtout peindre n’importe quel détail avec précision.

Créer des détails subtils :

Cette dernière astuce concerne l’ajout de détails à la fin d’un tableau.

Je vais donc écraser la mine avec la même technique que l’astuce 1 sur une feuille de papier à part. Cette feuille doit être assez rigide.

À l’aide d’un pinceau sec cette fois-ci je vais faire tomber les pigments sur mon tableau à l’endroit souhaité.

Je ne peux pas laisser les pigments ainsi car ils ne sont pas fixés. J’appuie donc dessus avec mon doigt.

Je peux aussi les travailler plus en frottant légèrement mon doigt dessus. Ils vont alors s’étendre et donner un effet lumineux.

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Créer différents marron avec 3 couleurs

LinkArtStories — Thu, 26 Oct 2023 14:00:00 +0000

Je vous donne mes conseils pour créer des marron naturels et vibrants avec seulement 3 couleurs et un noir. Il y aura la terre d’ombre brûlée, la terre de sienne brûlée, l’ocre jaune, le caput mortuum et le sépia.

Je vous explique aussi quelles sont les bonnes couleurs à choisir, quelle quantité mélanger pour réussir à coup sûr ses mélanges, quels pigments ajouter en premier par rapport à l’autre couleur.

Vous trouverez également une couleur bonus, alors regardez bien la vidéo jusqu’à la fin !

Matériel de l’article

✏ Papier Canson Imagine Mix media

✏ Acrylique Winsor & Newton (Alizarine cramoisie, Rouge de naphtol, Bleu outremer, Bleu phtalo, Noir de mars, Blanc de titane)

✏ Acrylique Lefranc-Bourgeois (Jaune moyen)

Quelles sont les combinaisons de couleurs possibles :

Les couleurs complémentaires

Mélanger les couleurs complémentaires entre elles permettent d’obtenir trois marron distincts.

Nous avons déjà le premier groupe bleu + orange qui donne de la terre d’ombre brûlée.

Puis, le deuxième groupe qui se compose du magenta + vert crée de la terre de sienne brûlée.

Enfin, le troisième groupe où le violet est ajouté au jaune donne de l’ocre jaune.

Le mélange des 3 couleurs primaires

Si l’on mélange les trois couleurs primaires à parts égales, on obtient du marron type caput mortuum, c’est-à-dire un marron tirant légèrement sur le bordeaux.

Le mélange des 3 couleurs primaires avec du noir

Ajouter un peu de noir à du vert foncé puis un peu de magenta donnera un marron très foncé de type sépia.

Quelles couleurs primaires choisir ? :

Toutes les couleurs primaires ne se valent pas pour obtenir de jolis mélanges naturels et vibrants.

Tout d’abord, il est important de préciser que ce que l’on nomme communément rouge primaire est en réalité du magenta (un rouge-rose) et est essentiel pour créer de bons mélanges. On évite donc autant que possible d’utiliser du rouge en remplacement du magenta sauf si l’on a besoin de ce pigment pour réaliser le futur mélange que l’on a en tête.

Il est aussi mieux de privilégier des couleurs naturels, donc plus désaturées, et de ne pas avoir trop de pigments vifs.

Pour réaliser les mélanges j’ai choisi du jaune moyen, de l’alizarine cramoisie et du bleu outremer.

Quels mélanges pour créer les 3 marron les plus courants ?

Terre d'ombre brûlée

La terre d’ombre brûlée s’obtient facilement en combinant le bleu au orange. Il faut déjà créer un orange avec le jaune et l’alizarine. J’ajoute les deux couleurs en même quantité pour avoir un orange qui tire plus sur l’alizarine mais qui contiendra assez de pigments jaunes.

Ensuite, j’ajoute une petite quantité de bleu. Il sera toujours plus aisé de commencer petit à petit plutôt que de mettre trop de bleu et d’obtenir un mélange boueux.

Terre de sienne brûlée

La terre de sienne brûlée est créée en ajoutant un peu de bleu au jaune pour obtenir un vert clair ce qui permet d’avoir une terre de sienne plus lumineuse.

Puis, on ajoute l’alizarine. Plus il y aura d’alizarine plus le marron sera rouge.

Ocre jaune

L’ocre jaune est en fait un jaune désaturé par du violet.

Tout d’abord j’ai mélangé l’alizarine et le bleu à part égales pour avoir un violet neutre.

Pour finir, il faut ajouter de petites quantités de violet au jaune et non l’inverse. Plus on met de violet plus le jaune sera désaturé et se rapprochera du gris.

En général, la couleur qui est ajoutée ne dépasse pas 10 % de la quantité de la couleur qui reçoit.

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Perspective atmosphérique paysage d’automne

LinkArtStories — Wed, 11 Oct 2023 14:00:00 +0000

La perspective atmosphérique permet de donner de la profondeur à un paysage. Ici je vous montre cette particularité sur un paysage d’Automne.

Le pont arrondi ajoute une autre difficulté à ce pastel sec puisqu’il faut arriver à le construire correctement. C’est un point important que je développe longuement dans la vidéo.

Enfin, je donne une astuce pour créer l’effet brumeux facilement.

Pour ne manquer aucun conseil, suivez bien la vidéo !

Matériel de l’article

Photo de référence : Forêt féérique

✏ Papier pastelmat de Clairefontaine

✏ Pastel bâtonnet Rembrandt (Ocre jaune 227.5, Terre de Sienne brûlée 411.5, Terre d’ombre brûlée 409.5, Blanc 100.5)

✏ Pastel bâtonnet Sennelier (131)

✏ Crayons pastel Faber-Castell Pitt (175,180, 186, 280, 103, 188, 283)

✏ Crayon pastel Caran d’Ache (901 blanc de chine)

✏ Estompe papier

Le pont arrondi :

Perspective atmosphérique en arrière-plan :

Pour créer cette perspective atmosphérique, je pars des cotés externes avec la couleur terre de sienne brûlée puis ocre jaune et enfin beige.

Avant d’ajouter la nouvelle couleur, j’estompe pour répartir les pigments uniformément sur le pastelmat.

Puis, je dépose du beige au centre et j’écarte les pigments vers l’extérieur avec mon doigt pour créer des traces sur le dégradé que je viens de réaliser.

Enfin, au centre, je peins un rond blanc pour illuminer encore plus l’arrière-plan.

En ce qui concerne l’effet de perspective atmosphérique, je l’accentue grâce à la création d’arbres. Je me sers d’un même crayon marron que je vais plus ou moins appuyer sur le papier. Moins j’appuie, plus l’arbre semble loin. Plus j’appuie, plus je le rapproche. Pour apporter encore plus de fondu et de flou, je passe l’estompe sur certains arbres.

Il ne faut pas non oublier que les arbres éloignés seront plus petits (on peut les voir en entier) alors que ceux qui sont près de nous sont plus grands (on ne voit qu’une partie du tronc).

Dégradé du pont :

Une fois que l’arrière-plan est fini, je passe au dégradé du pont qui est plus marqué que celui du paysage.

Au trois couleurs que j’avais choisies, j’ajoute une quatrième, la terre d’ombre brûlée.

Je dépose les pigments dans le sens des planches (donc horizontalement) et des balustrades (donc verticalement).

L’estompe se fait dans le même sens que la dépose pour avoir un dégradé plus abrupte et marqué.

Lames de bois, scintillement et brume :

Pour dessiner les lames de bois j’utilise trois crayons de couleurs différentes en fonctions des parties colorées du pont. Je pars d’un marron sépia jusqu’à un marron plus clair, terre d’ombre naturelle. Je procède de la même manière pour la balustrade.

Les lignes représentant les planches de bois doivent être horizontales et parallèles entre elles. Celles pour la balustrade sont parallèles entre elles. En revanche, elles sont perpendiculaires à celles des planches.

Plus on s’éloigne vers le point de fuite plus les lignes sont fines et proches entre elles que ce soit pour le plancher que pour la balustrade.

Il ne faut pas oublier de surligner au sépia la jonction entre les planches et le début des balustrades et sous le haut de la rampe.

Pour une ambiance lumineuse et féérique, je rajoute des coups de crayons blancs pour créer un effet de scintillement.

Pour finir, je frotte mon doigt sur un bâtonnet blanc et le pose à plusieurs reprises pour donner l’impression qu’il y a une légère brume.

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Tout savoir sur les Ink Brush

LinkArtStories — Wed, 04 Oct 2023 14:00:00 +0000

Voici un test complet pour tout savoir sur les Ink Brush de Sennelier avec en prime deux démonstrations, une 100% Ink Brush et l’autre 100% aquarelle réalisées toutes les deux sur du papier 100% coton.

Il y a donc trois parties : la présentation et les réponses aux questions, le test sur toutes les possibilités (non exhaustives) qu’offrent les Ink Brush et la démonstration.

Sur cette page ne sera disponible qu’un aperçu du test, donc pour ne rien manquer sur les Ink Brush, regardez attentivement la vidéo !

Matériel de l'article :

Photo de référence : Plage

✏ Papier Canson mix media imagine, 200g/m2

✏ Papier Fontaine de Clairefontaine, grain torchon nuageux, 300g/m2

✏ Ink brush (Vert jaune, Vert sapin, Bleu primaire, Bleu outremer, Turquoise phtalo, Ocre jaune, Terre d’ombre naturelle)

✏ Aquarelle Winsor & Newton (Outremer, Vert de Vessie, Ocre jaune, Bleu intense)

✏ Aquarelle Royal Talens (Bleu turquoise, Vert de hooker foncé, Crépuscule vert)

✏ Pinceaux gamme Azur de la marque Léonard, rond taille 0 et usé bombé taille 1

✏ Pinceau rond I love art taille 12

Démonstration :

Présentation :

Les Ink brush sont des pinceaux munis d’un réservoir d’encre aquarelle. Cette encre est composée de pigments de haute qualité, respectueuse de l’environnement et est issue des couleurs de La petite aquarelle de Sennelier.

La gamme se compose de 24 couleurs normales et 12 couleurs irisées. Je possède 11 couleurs dans ma palette. Elles sont très vives et intenses mais aussi très tenaces autant sur le papier que sur la peau.

Je suis globalement satisfaite des couleurs hormis le orange, quand il est dilué il tire sur le corail (il a donc un côté rosé), et les bleus (outremer et turquoise) qui, selon moi, sont quasiment des doublons.

Tests :

Le pinceau a des poils très nerveux. Il a également une pointe super fine permettant de peindre des traits d’1mm jusqu’à un peu plus d’1cm.

Les pleins et déliés sont facilités. Il est idéal pour faire de la calligraphie.

Par contre, dès que les traits sont épais, il est nécessaire d’appuyer sur le réservoir pour augmenter le débit et ne pas voir le papier en dessous.

Grâce à la nervosité de sa pointe fine, il est donc possible, entre autres, de créer des tiges, des feuilles, des herbes très facilement.

Démonstration :

Cette encre n’est pas du tout opaque comme peuvent l’être certaines aquarelles.

En outre, l’encre est extrêmement miscible que ce soit entre Ink Brush ou avec de l’aquarelle.

Sur cette peinture, j’ai travaillé l’encre de la même manière que l’aquarelle c’est-à-dire en allant du plus clair au plus foncé.

J’ai humidifié le papier pour travailler dans l’humide pour le ciel, la végétation et l’eau.

On peut voir une belle diffusion des pigments notamment au niveau de la végétation.

Comparaison :

J’ai donc reproduit l’aquarelle en essayant d’être la plus fidèle à la peinture avec les Ink brush. Cependant, c’est quand même difficile de bien doser par rapport à l’eau et à la quantité de pigments sur le pinceau.

En tout cas, on constate quand même qu’avec les Ink Brush, le rendu est plus flou qu’avec l’aquarelle, ce qui semble assez logique puisque c’est de l’encre donc c’est de toute façon plus fluide.

Ink brush

Aquarelle

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Bien placer une ombre portée

LinkArtStories — Wed, 27 Sep 2023 14:00:00 +0000

Savoir bien placer une ombre portée requiert déjà de construire correctement l’élément qui sera éclairé. L’esquisse est donc primordiale puisqu’il ne faut pas seulement dessiner ce que l’on voit mais aussi prendre en compte ce que l’on ne voit pas.

L’Arc de Triomphe est un tétrapyle, il m’a paru judicieux de le prendre comme modèle pour expliquer comment construire l’ombre portée mais aussi le halo lumineux émanant de l’arche de derrière.

On se sert également de la perspective à deux points de fuite. La réalisation de l’esquisse est assez complexe notamment pour bien positionner les arches.

N’hésitez donc pas à vous appuyer sur la vidéo pour avoir la totalité de mes conseils !

Matériel de l'article :

Photo de référence : Arc de Triomphe

✏ Papier Canson Mix Media Imagine, A4, 200g/m2

✏ Ink Brush Sennelier (Turquoise phtalo, Vert jaune, Vert sapin, Gris de Payne)

✏ Aquarelle White Nights (Petersburg ochre et Voronezhskaya black (sépia))

✏ Pinceaux gamme Azur de la marque Léonard, pointe ronde taille 0

✏ Crayons de couleur terre d’ombre et gris Faber Castell

✏ Stylo encre noire Faber Castell Pitt

✏ Stylos de couleur gris

Démonstration :

La construction du tétrapyle :

Cliquez sur les images pour les agrandir !

Dans un premier temps je dois construire un tétrapyle correct avant de pouvoir lui ajouter une ombre portée.

J’ai donc tracé la ligne d’horizon à 9cm du bas de la feuille A4 pris dans le sens du format paysage. Les deux points de fuite utilisés sont de part et d’autre de la ligne d’horizon.

En premier, je marque le bas de l’arête du pied qui sera le plus près de moi. Ce point doit être en dessous de la ligne d’horizon. À partir de ce point, je tire les traits de construction vers les deux points de fuite. Ensuite, je trace l’arête entière en hauteur pour pouvoir créer la forme complète de l’Arc. Puis, je mesure la largeur et la profondeur.

Enfin, je crée la première arche sur la face avant.

Création de l'ombre portée :

Avant de la créer, je dois continuer l’esquisse de l’Arc en dessinant l’arche qui se trouve derrière. Cette arche sera effacée ensuite, puisqu’elle n’est normalement pas visible.

Pour la tracer plus facilement, j’ai marqué l’arrière du tétrapyle en pointillé. Je m’aide toujours des points de fuite. Ce qui est primordial, c’est de pouvoir visualiser le demi-cercle qui constitue le point le plus haut de l’arche.

Une fois que j’ai dessiné cette partie qui est la plus difficile (reportez-vous à la vidéo si vous avez trop de difficultés), je place la source de lumière en arrière de l’Arc. Il se situe dans le coin de droite donc au-dessus du point de fuite. J’ai fait ce choix pour avoir une ombre portée plus simple à construire.

Ensuite, je dois allonger le sol devant le monument, pour cela je me sers des points de fuite initiaux. Puis j’aligne ma règle sur la source lumineuse, le haut de l’arête de la colonne du pied qui est près de moi, et le trait que j’ai prolongé au sol. J’obtiens donc la limite de l’ombre portée.

Enfin, je marque l’emplacement du halo lumineux qui provient de l’arche de derrière en alignant la règle sur la source lumineuse, les différents points qui forment le demi cercle de l’arche et les traits au sol qui sont la prolongation du bas de l’arche.

Je finis mon esquisse par les deux petites arches sur les côtés et les quelques ornements de l’Arc.

Mise en couleurs :

J’ai utilisé en majeure partie les Ink Brush Sennelier pour apporter de la couleur : ciel, arbres et bitume sont peints dans l’humide.

Pour les arbres je suis partie du vert le plus clair au plus foncé. Le gris du bitume doit rester très léger puisque l’on est en plein soleil et l’ombre portée doit restée visible.

Ensuite, le monument est peint avec de l’aquarelle (Petersburg ochre et Voronezhskaya black). Je l’ai d’abord peint complètement en beige avant d’ajouter sur les zones d’ombre le marron foncé. Il est d’ailleurs granuleux et apporte de la texture aux pierres.

Quand tout était sec j’ai ajouté du crayon de couleur pour intensifier certaines ombres et du stylo pour l’ajout de décoration.

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Maîtriser le pinceau biseauté à l’acrylique

LinkArtStories — Wed, 20 Sep 2023 14:00:00 +0000

Voici une vidéo assez complète, filmée en temps réel qui vous montre comment avoir la bonne texture pour créer un joli One stroke à la peinture acrylique. Le One stroke est une superbe technique pour peindre des nervures ultra facilement avec un rendu très naturel puisque chaque élément sera toujours unique.

Vous pourrez également apprendre à bien maîtriser différentes touches avec le pinceau biseauté pour réaliser des pétales, des tiges, des feuilles et un ruban.

De plus, si vous êtes abonné à ma chaîne Youtube vous pourrez participer au concours en lien avec cette vidéo. Il y a d’ailleurs un mot à trouver dans celle-ci qui vous permettra d’avoir une chance supplémentaire, alors soyez attentifs !

Matériel de l'article :

✏ Papier 200gr/m², Canson, Mix Media Imagine, A4.

✏ Peinture acrylique Lefranc Bourgeois (Violet Dioxazine, Jaune moyen, Vert de Vessie, Terre d’ombre brûlée)

✏ Peinture acrylique Liquitex (Blanc de titane)

✏ Pinceau biseauté Princeton

✏ Pinceau Mop Silver silk

Démonstration :

La construction de l'esquisse :

La construction d’une esquisse est super importante. C’est elle qui conditionnera votre facilité à réussir un joli bouquet.

Je ne reviens pas en détails sur la façon de bien composer le bouquet car ce n’est pas le sujet.

Cependant, je vous encourage à procéder comme j’ai dessiné sur ma feuille. Ainsi, les fleurs seront correctement orientées, les tiges faciles à positionnées et vous aurez des repères pour commencer le haut de vos pétales et les finir au bon endroit.

De manière succincte, les fleurs centrales auront un cercle avec un rayon à peu près égale partout alors que les fleurs de droite auront une ellipse avec le rayon de droite plus long que celui de gauche par rapport au centre. De même, les fleurs de gauche auront une ellipse dont le rayon sera plus long à gauche qu’à droite par rapport au centre.

Les pétales et les feuilles :

La technique du One stroke consiste à mettre plusieurs couleurs (2-3) sur un même pinceau pour ensuite avoir des couleurs qui se mélangent de façon aléatoire en formant des filaments rappelant les nervures des pétales ou des feuilles par exemple.

Le pinceau a été humidifié au préalable. Je le trempe dans le jaune car je veux une base jaune pour les pétales. Puis, j’ai seulement trempé le bout des poils dans du violet dioxazine. Je ne mets pas trop de violet pour ne pas qu’il recouvre complètement le jaune.

Ensuite, je vais poser le pinceau sur le papier, je l’écrase en l’inclinant vers moi puis je le recule et je relâche un peu avant d’arriver au point central qui représente le cœur de la fleur.

Le processus sera le même pour peindre les feuilles, hormis la couleur qui va changer. La couleur verte sera la couleur de base et le jaune permettra d’illuminer le vert.

Comme le jaune est une couleur assez peu couvrante, je peux mettre beaucoup plus de peinture sur mon pinceau. Elle ne prendra pas le dessus face au vert.

Tige, cœur et ruban :

La tige aurait pu être réalisée en One stroke mais j’ai préféré la laisser en vert de vessie. Je l’ai peinte avec le pinceau biseauté qui, je trouve, apporte plus de stabilité pour tracer des lignes et des courbes.

Les cœurs des fleurs sont peints avec le pinceau mop qui amène une texture un peu translucide à certains endroits créant l’effet d’étamines. Je le tiens bien à la verticale et je le tapote sur la feuille.

Attention, les centres doivent être peints en fonction de la forme de la fleur. En effet, si la fleur est de face, le centre sera rond. En revanche, si la fleur est de côté, le centre aura la forme de l’ellipse comme pour l’esquisse.

Enfin, le ruban est peint au One stroke pour amplifier l’effet de mouvement des boucles et des bouts qui pendent. Le violet a été mélangé au blanc pour ajouter de l’opacité car il doit recouvrir le vert des plantes.

Les mouvements réalisés sont assez complexes à décrire, veuillez vous reporter à la fin de la vidéo pour observer en détails la technique utilisée.

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Etang en plein air (aquarelle)

LinkArtStories — Wed, 13 Sep 2023 14:00:00 +0000

Me voilà partie pour une balade au château de Fontainebleau qui sera le lieu de ma première aquarelle en plein air.

Je vous propose donc la peinture d’un étang entouré d’arbres avec un petit kiosque posé sur l’eau. Vous verrez que j’ai simplifié le bâtiment. J’ai également fait abstraction de la luminosité changeante pour en fait créer une vision personnelle de ce que je voyais.

De plus j’ai finalisé mon aquarelle à l’aide de différents médiums comme les stylos ou les crayons de couleurs.

Pour ne rien manquer de ma petite escapade et de mes conseils de peinture, suivez bien la vidéo !

Matériel de l'article :

✏ HAHNEMÜHLE WATERCOLOR BOOK 100% COTTON FOR WATERCOLOR 250 G (30 feuilles) PORTRAIT

✏ Aquarelle White Nights (Vert de Vessie, Vert oxyde de chrome, Vert original, Jaune de Naples, Voronezhskaya black (environ = sépia), Terre de sienne, Petersburg ocre, Gris de payne, Azur)

✏ Crayons de couleur jaune et gris foncé

✏ Stylo turquoise

✏ Stylo gel blanc

✏ Pinceaux gamme Azur de la marque Léonard

✏ Posca blanc

✏ Stylo encre noire et encre de chine blanche Faber-Castell

Démonstration :

Le travail de l'étang :

Au vue de l’orientation du soleil, j’ai décidé de peindre en tout premier l’eau. Je savais que la luminosité changerait à cause du déplacement du soleil mais aussi à cause des nuages qui passent.

J’ai donc fixé sur le papier un instant présent qui ne sera pas forcément le même dans 5 minutes. J’ai donc repéré les couleurs de l’eau qui m’intéressaient. On y retrouve une majorité de nuances vertes surtout vers la berge et des reflets bleus qui font référence au ciel.

Je suis donc partie de la couleur vert de Vessie à laquelle j’ai ajouté du marron très foncé (voronezhskaya black). J’ai appliqué cette couleur bien pigmentée sur le long de la berge, là où il y a le plus d’ombre, puis je l’ai dégradée en ajoutant plus d’eau. Ensuite, j’ai repris du vert de vessie seul qui est plus clair que le mélange. J’ai aussi ajouté des touches de jaune chaud pour illuminer. Enfin, j’ai déposé du bleu dilué pour refléter le ciel dans l’eau.

Le travail de la végétation :

Une grande partie de la végétation était dans l’ombre aussi bien les arbres que la pelouse. La pelouse n’ayant pas la même teinte que les arbres j’ai utilisé un vert que je n’utilise pas du tout pour le feuillage pour bien pouvoir les différencier.

Pour les arbres je vais travailler par couches superposées allant du plus clair et flou au plus foncé et détaillé.

Je me suis donc servie de deux teintes principales : le vert de vessie et le vert oxyde de chrome que j’ai éclaircis en ajoutant du jaune ou en diluant plus les pigments ou que j’ai assombris en ajoutant le marron très foncé ou en prenant beaucoup de pigments.

En revanche la pelouse est peinte avec du vert original désaturé avec le marron très foncé.

Le kiosque :

Le kiosque a été réalisé en technique mixte avec une base à l’aquarelle que j’ai renforcée avec du posca, du crayon de couleur et des stylos à encre.

Il est plutôt de couleur beige un peu sali. J’ai donc ajouté une pointe de gris de payne dans la couleur Petersburg ocre. C’est une très jolie couleur pour le sable mais aussi pour les murs de construction.

Le posca et autres stylos à encre blanche m’ont permis d’amener de la luminosité. Le stylo turquoise amène plus de présence aux entourages de fenêtres. Quant aux couleurs foncées (gris et noir) elles m’ont permis d’amener de la profondeur.

Le reflet est peint avec le feutre à encre de chine blanche que j’ai gommé juste après l’avoir déposée.

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Tampon végétal à la peinture acrylique

LinkArtStories — Wed, 06 Sep 2023 14:00:00 +0000

L’idée du tampon végétal a germé grâce à un motif noir et doré de fleurs que j’ai sur un de mes tee shirts. Ayant beaucoup de fleurs dans mon jardin, certaines commençant à faner, j’ai été cueillir 4 variétés différentes pour créer un tableau sobre et épuré.

Pour moi la peinture acrylique est l’idéal pour ce type de tableau original car elle sèche rapidement et est durable.

Pour ne rien rater des étapes de la réalisation, suivez bien la vidéo jusqu’à la fin !

Matériel de l'article :

✏ Papier toile marque Fabriano

✏ Peintura acrylique Lefranc-Bourgeois (Noir de Mars)

✏ Rouleau à peinture et pinceau plat

✏ Feutre gold Faber Castell

✏ Papier pour imprimante

✏ Washi tape

✏ Gants vinyle

Démonstration :

Type de fleurs :

Pour que la composition soit harmonieuse il est préférable de choisir 4 espèces de fleurs différentes qui ont des tailles et des formes variées.

J’ai choisi un coréopsis, un bleuet, un œillet d’Inde et une échinacée.

Il est important de choisir des fleurs dont les pétales ne sont pas trop fragiles et qui tiennent bien car on va passer plusieurs fois dessus avec le rouleau.

On peut sans problème choisir des fleurs en fin de floraison comme l’échinacée que j’ai cueillie.

Création des tampons :

Je me suis munie de gants fins pour me protéger les doigts de la peinture acrylique. J’ai aussi pris de vieilles feuilles d’imprimantes pour protéger le plan de travail et appuyer sur les fleurs.

J’ai créé un pochoir avec une autre feuille : il me sert à protéger mon papier toile et à avoir une jolie forme.

Conseil : Avant de tamponner la première fleur, veillez à bien réfléchir à votre composition en amont.

Par rapport à la mise en peinture, je passe mon rouleau plusieurs fois sur la fleur, cependant, toutes les parties de la fleur ne doivent pas être intégralement recouverte de peinture, sinon on ne verra pas le motif des pétales ou des feuilles. C’est le contraste entre le noir et le blanc qui est intéressant dans cette peinture.

Finitions :

Après avoir appliqué mes 4 fleurs sur le papier, je me sers de la forme du pochoir pour rajouter des traits de doré.

Pour les coups de pinceaux je me suis servie de l’autre partie du papier. J’ai frotté un pinceau plat en partant de la feuille pochoir pour aller vers le papier toile.

Enfin, j’ai encadré la peinture au feutre doré en m’aidant du washi tape.

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Peindre des nervures à l’aquarelle

LinkArtStories — Wed, 30 Aug 2023 14:00:00 +0000

Ce trèfle à quatre feuilles va nous servir à nous entraîner à créer de belles fusions entre les couleurs et à comprendre quel doit être le degré d’humidité du papier pour les réussir à coup sûr. Dans la vidéo, vous verrez précisément les différentes étapes de séchage du papier grâce à sa brillance.

Je vous montrerai également quel pinceau avoir et comment l’utiliser pour peindre de jolies nervures.

Si vous ne voulez rater aucun conseil ni aucune info (il y a peut-être bien une annonce à la fin de la vidéo) regardez-la bien jusqu’à la fin !

Matériel de l'article :

✏ HAHNEMÜHLE WATERCOLOR BOOK 100% COTTON FOR WATERCOLOR 250 G (30 feuilles) PORTRAIT

✏ Aquarelle White Nights (Vert de Vessie, Carmin, Violet de quinacridone, Jaune de Naples, Voronezhskaya black (environ = sépia))

✏ Pinceau rond gamme Azur de la marque Léonard

✏ Pinceau jupon n°4 marque Léonard

✏ Crayon HB Pitt Graphite Matt Faber-Castell

Démonstration :

Humidité du papier :

Après avoir peint l’esquisse, je travaille feuille par feuille.

J’humidifie avec beaucoup d’eau sans que ça ne fasse une grosse pellicule. Si c’est le cas je laisse sécher un peu. Pour bien voir l’eau, je me penche en me mettant face à la lumière du jour. Celle-ci va se refléter et il sera plus facile de voir où en est le séchage.

Puis, je commence par déposer le vert de vessie. Je vais de la bordure vers le centre.

Enfin, je laisse un peu sécher et je peins ensuite la partie bordeaux désaturée (carmin + Voronezhskaya black). La peinture doit peu s’étaler sur le papier mais elle doit quand même créer de petits filaments de pigments.

Bordures et nervures :

Si votre pinceau rond a une pointe très fine vous pouvez peindre la bordure comme je le fais dans la vidéo.

Cependant, pour réaliser des traits super fins et en continus vous pouvez opter comme moi pour le pinceau jupon qui a une touffe de pinceau rond pour retenir beaucoup d’eau surmontée d’une touffe de traceur pour des lignes ultra minces.

Vous pouvez travailler assez longtemps avec sans le recharger.

Pour que la ligne soit jolie la peinture ne doit pas être trop épaisse. Il ne faut pas non plus trop d’eau sous peine d’avoir quelque chose de trop dilué et donc pas de trait visible.

Détails :

Les bordures sont peintes avec le mélange couleur bordeaux.

Les nervures sont bicolores. Elles sont bordeaux puis vertes. J’ai repris les mêmes couleurs que pour les feuilles mais beaucoup plus pigmentées.

Attention à ce que les nervures soient symétriques et tremblotantes pour plus de naturel. Elles doivent également suivre la pliure des feuilles. Sur ma peinture la feuille de droite est pliée vers l’intérieur alors que la feuille de gauche est pliée vers l’extérieur. Les feuilles du bas et du haut sont plutôt de face.

La tige a été peinte avec un mélange de vert de vessie et de jaune de Naples. Le jaune apporte de la lumière et de l’opacité.

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Assombrir ou éclaircir du rouge au pastel sec

LinkArtStories — Wed, 23 Aug 2023 14:00:00 +0000

J’ai choisi comme sujet un glaïeul orné de fleurs rouges pour vous parler de l’éclaircissement et de l’assombrissement de cette couleur. Ici, c’est un rouge écarlate. Grâce à la superposition de différentes couches de couleurs, je vais pouvoir modifier sa valeur tout en conservant un aspect naturel, intense et propre.

Vous pourrez voir aussi comment je crée du relief sur les pétales.

Pour tout savoir sur la réalisation de cette fleur et de son fond, rendez-vous dans la vidéo dans laquelle je vous donne mes conseils !

Matériel de l'article :

✏ Papier Pastelmat (Lie de vin) de la marque Clairefontaine

✏ Coffret Bâtonnets Rembrandt (Rouge permanent 372.5, Blanc 100.5, Orange 235.9, Terre d’ombre brûlée 409.5, Vert olive 620.3 et 620.7, Cinabre vert foncé 627.5, Cinabre vert clair 626.7, Vert jaunâtre permanent 633.5, Noir 700.5)

✏ Crayons Faber-Castell Pitt (Blanc 101, Rouge Indien 192, Rouge Pompei 191, Gris chaud I 270)

✏ Estompe papier

Démonstration :

La construction de l'esquisse :

J’ai choisi de placer la plante en diagonale. Je commence par peindre un bouton avec le bâtonnet vert olive puis le rouge sans esquisse préalable. Le sujet est réalisé aux bâtonnets car je veux rester dans la simplification et la spontanéité. C’est à partir de ce premier bouton que je vais construire le reste de l’esquisse au bâtonnet rouge.

Les boutons ne sont pas détaillés, ce sont juste des traits de bâtonnets en diagonale. Cela suffit à donner une première forme.

Mise en couleurs :

Mon esquisse étant finie, je vais placer les parties les plus ombrées avec le bâtonnet Terre d’ombre brûlée. J’en profite également pour ombrer les fleurs en bouton.

La couleur terre va assombrir le rouge sans ternir la couleur contrairement au noir qui donnerait un aspect sali.

En revanche pour illuminer le rouge, j’opte pour un orange assez vif qui permet donc d’éclaircir sans affadir comme le ferait un bâtonnet blanc.

J’évite le plus possible d’utiliser le noir car il est trop brutal à l’œil et souvent, il ne représente pas la réalité.

Le fond :

Mon choix s’est porté sur un fond flou et clair que j’ai peint avec différents verts. J’ai utilisé l’estompe en papier sur la sous-couche pour bien étaler les pigments.

Ensuite, j’ai préféré estomper avec le doigt en mouvements circulaires pour avoir des transitions douces. Pour conserver plus de lumière, j’ai ajouté du blanc. Enfin, j’ai vignetté les coins avec du noir pour que les yeux se recentrent sur le milieu du pastel sec.

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