Fleurs - LinkArtStories

Peindre avec des mines cassées pastel sec

LinkArtStories — Wed, 15 Nov 2023 15:00:00 +0000

Peindre avec des mines de crayons pastel cassées, c’est possible !

Si quand vous taillez vos mines de crayons pastel, il vous arrive de les casser, alors cet article vous donnera 4 astuces simples pour les utiliser dans vos créations de pastel sec.

De plus, dans la vidéo, vous trouverez des explications pour réaliser la composition florale. Ainsi, si vous souhaitez des conseils pour peindre les fleurs de cosmos et la fleur jaune, je vous conseille de bien écouter la vidéo jusqu’à la fin.

Matériel de l’article

✏ Papier pastelmat de Clairefontaine

✏ Bâtonnets Rembrandt (Cinabre vert foncé 627.5, Bleu de Prusse 508.7)

✏ Crayons pastel Faber-Castell (165, 170, 168, 267, 149, 180, 185, 184, 187, 102, 106, 132, 225, 169, 192, 193, 124)

✏ Crayons Derwent (P420)

✏ Estompe papier

Créer des sous-couches avec les mines cassées :

Par écrasement à sec

Les mines cassées sont idéales pour peindre des fonds.

Je place donc ma mine directement sur le papier. Je pose dessus une vieille feuille d’imprimante et avec un objet dur (un petit pot de confiture pour moi), j’écrase la mine pour la réduire en poussière.

Il peut rester quelques bouts plus gros. Ce n’est pas gênant sur papier abrasif car en passant l’estompe papier, les bouts se réduisent en poussière facilement.

Il ne reste donc plus qu’à étaler la couleur sur la surface désirée.

En mouillant directement sur la papier

Pour cette solution je dépose la mine sur le papier et à l’aide d’un pinceau et de beaucoup d’eau je la fais fondre.

Mon pinceau me sert à étaler les pigments à mesure qu’ils se déposent sur le papier.

Attention, tous les papiers pour pastel ne supportent pas l’eau. J’utilise du pastelmat de Clairefontaine qui est un papier très épais et très résistant.

Avec cette astuce, il est plus facile de peindre la sous-couche dans les endroits plus petits car le pinceau est beaucoup plus précis.

De même, les pigments recouvriront aussi plus de surfaces.

NB : on peut aussi écraser la mine à sec et venir étaler avec le pinceau gorgé d’eau.

En prélevant la couleur par pinceau

Avec cette technique, on place la mine dans une palette et on vient prendre des pigments avec le pinceau mouillé comme on viendrait se servir de l’aquarelle en godet.

On peut alors ne pas utiliser toute la mine et surtout peindre n’importe quel détail avec précision.

Créer des détails subtils :

Cette dernière astuce concerne l’ajout de détails à la fin d’un tableau.

Je vais donc écraser la mine avec la même technique que l’astuce 1 sur une feuille de papier à part. Cette feuille doit être assez rigide.

À l’aide d’un pinceau sec cette fois-ci je vais faire tomber les pigments sur mon tableau à l’endroit souhaité.

Je ne peux pas laisser les pigments ainsi car ils ne sont pas fixés. J’appuie donc dessus avec mon doigt.

Je peux aussi les travailler plus en frottant légèrement mon doigt dessus. Ils vont alors s’étendre et donner un effet lumineux.

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Maîtriser le pinceau biseauté à l’acrylique

LinkArtStories — Wed, 20 Sep 2023 14:00:00 +0000

Voici une vidéo assez complète, filmée en temps réel qui vous montre comment avoir la bonne texture pour créer un joli One stroke à la peinture acrylique. Le One stroke est une superbe technique pour peindre des nervures ultra facilement avec un rendu très naturel puisque chaque élément sera toujours unique.

Vous pourrez également apprendre à bien maîtriser différentes touches avec le pinceau biseauté pour réaliser des pétales, des tiges, des feuilles et un ruban.

De plus, si vous êtes abonné à ma chaîne Youtube vous pourrez participer au concours en lien avec cette vidéo. Il y a d’ailleurs un mot à trouver dans celle-ci qui vous permettra d’avoir une chance supplémentaire, alors soyez attentifs !

Matériel de l'article :

✏ Papier 200gr/m², Canson, Mix Media Imagine, A4.

✏ Peinture acrylique Lefranc Bourgeois (Violet Dioxazine, Jaune moyen, Vert de Vessie, Terre d’ombre brûlée)

✏ Peinture acrylique Liquitex (Blanc de titane)

✏ Pinceau biseauté Princeton

✏ Pinceau Mop Silver silk

Démonstration :

La construction de l'esquisse :

La construction d’une esquisse est super importante. C’est elle qui conditionnera votre facilité à réussir un joli bouquet.

Je ne reviens pas en détails sur la façon de bien composer le bouquet car ce n’est pas le sujet.

Cependant, je vous encourage à procéder comme j’ai dessiné sur ma feuille. Ainsi, les fleurs seront correctement orientées, les tiges faciles à positionnées et vous aurez des repères pour commencer le haut de vos pétales et les finir au bon endroit.

De manière succincte, les fleurs centrales auront un cercle avec un rayon à peu près égale partout alors que les fleurs de droite auront une ellipse avec le rayon de droite plus long que celui de gauche par rapport au centre. De même, les fleurs de gauche auront une ellipse dont le rayon sera plus long à gauche qu’à droite par rapport au centre.

Les pétales et les feuilles :

La technique du One stroke consiste à mettre plusieurs couleurs (2-3) sur un même pinceau pour ensuite avoir des couleurs qui se mélangent de façon aléatoire en formant des filaments rappelant les nervures des pétales ou des feuilles par exemple.

Le pinceau a été humidifié au préalable. Je le trempe dans le jaune car je veux une base jaune pour les pétales. Puis, j’ai seulement trempé le bout des poils dans du violet dioxazine. Je ne mets pas trop de violet pour ne pas qu’il recouvre complètement le jaune.

Ensuite, je vais poser le pinceau sur le papier, je l’écrase en l’inclinant vers moi puis je le recule et je relâche un peu avant d’arriver au point central qui représente le cœur de la fleur.

Le processus sera le même pour peindre les feuilles, hormis la couleur qui va changer. La couleur verte sera la couleur de base et le jaune permettra d’illuminer le vert.

Comme le jaune est une couleur assez peu couvrante, je peux mettre beaucoup plus de peinture sur mon pinceau. Elle ne prendra pas le dessus face au vert.

Tige, cœur et ruban :

La tige aurait pu être réalisée en One stroke mais j’ai préféré la laisser en vert de vessie. Je l’ai peinte avec le pinceau biseauté qui, je trouve, apporte plus de stabilité pour tracer des lignes et des courbes.

Les cœurs des fleurs sont peints avec le pinceau mop qui amène une texture un peu translucide à certains endroits créant l’effet d’étamines. Je le tiens bien à la verticale et je le tapote sur la feuille.

Attention, les centres doivent être peints en fonction de la forme de la fleur. En effet, si la fleur est de face, le centre sera rond. En revanche, si la fleur est de côté, le centre aura la forme de l’ellipse comme pour l’esquisse.

Enfin, le ruban est peint au One stroke pour amplifier l’effet de mouvement des boucles et des bouts qui pendent. Le violet a été mélangé au blanc pour ajouter de l’opacité car il doit recouvrir le vert des plantes.

Les mouvements réalisés sont assez complexes à décrire, veuillez vous reporter à la fin de la vidéo pour observer en détails la technique utilisée.

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Tampon végétal à la peinture acrylique

LinkArtStories — Wed, 06 Sep 2023 14:00:00 +0000

L’idée du tampon végétal a germé grâce à un motif noir et doré de fleurs que j’ai sur un de mes tee shirts. Ayant beaucoup de fleurs dans mon jardin, certaines commençant à faner, j’ai été cueillir 4 variétés différentes pour créer un tableau sobre et épuré.

Pour moi la peinture acrylique est l’idéal pour ce type de tableau original car elle sèche rapidement et est durable.

Pour ne rien rater des étapes de la réalisation, suivez bien la vidéo jusqu’à la fin !

Matériel de l'article :

✏ Papier toile marque Fabriano

✏ Peintura acrylique Lefranc-Bourgeois (Noir de Mars)

✏ Rouleau à peinture et pinceau plat

✏ Feutre gold Faber Castell

✏ Papier pour imprimante

✏ Washi tape

✏ Gants vinyle

Démonstration :

Type de fleurs :

Pour que la composition soit harmonieuse il est préférable de choisir 4 espèces de fleurs différentes qui ont des tailles et des formes variées.

J’ai choisi un coréopsis, un bleuet, un œillet d’Inde et une échinacée.

Il est important de choisir des fleurs dont les pétales ne sont pas trop fragiles et qui tiennent bien car on va passer plusieurs fois dessus avec le rouleau.

On peut sans problème choisir des fleurs en fin de floraison comme l’échinacée que j’ai cueillie.

Création des tampons :

Je me suis munie de gants fins pour me protéger les doigts de la peinture acrylique. J’ai aussi pris de vieilles feuilles d’imprimantes pour protéger le plan de travail et appuyer sur les fleurs.

J’ai créé un pochoir avec une autre feuille : il me sert à protéger mon papier toile et à avoir une jolie forme.

Conseil : Avant de tamponner la première fleur, veillez à bien réfléchir à votre composition en amont.

Par rapport à la mise en peinture, je passe mon rouleau plusieurs fois sur la fleur, cependant, toutes les parties de la fleur ne doivent pas être intégralement recouverte de peinture, sinon on ne verra pas le motif des pétales ou des feuilles. C’est le contraste entre le noir et le blanc qui est intéressant dans cette peinture.

Finitions :

Après avoir appliqué mes 4 fleurs sur le papier, je me sers de la forme du pochoir pour rajouter des traits de doré.

Pour les coups de pinceaux je me suis servie de l’autre partie du papier. J’ai frotté un pinceau plat en partant de la feuille pochoir pour aller vers le papier toile.

Enfin, j’ai encadré la peinture au feutre doré en m’aidant du washi tape.

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Assombrir ou éclaircir du rouge au pastel sec

LinkArtStories — Wed, 23 Aug 2023 14:00:00 +0000

J’ai choisi comme sujet un glaïeul orné de fleurs rouges pour vous parler de l’éclaircissement et de l’assombrissement de cette couleur. Ici, c’est un rouge écarlate. Grâce à la superposition de différentes couches de couleurs, je vais pouvoir modifier sa valeur tout en conservant un aspect naturel, intense et propre.

Vous pourrez voir aussi comment je crée du relief sur les pétales.

Pour tout savoir sur la réalisation de cette fleur et de son fond, rendez-vous dans la vidéo dans laquelle je vous donne mes conseils !

Matériel de l'article :

✏ Papier Pastelmat (Lie de vin) de la marque Clairefontaine

✏ Coffret Bâtonnets Rembrandt (Rouge permanent 372.5, Blanc 100.5, Orange 235.9, Terre d’ombre brûlée 409.5, Vert olive 620.3 et 620.7, Cinabre vert foncé 627.5, Cinabre vert clair 626.7, Vert jaunâtre permanent 633.5, Noir 700.5)

✏ Crayons Faber-Castell Pitt (Blanc 101, Rouge Indien 192, Rouge Pompei 191, Gris chaud I 270)

✏ Estompe papier

Démonstration :

La construction de l'esquisse :

J’ai choisi de placer la plante en diagonale. Je commence par peindre un bouton avec le bâtonnet vert olive puis le rouge sans esquisse préalable. Le sujet est réalisé aux bâtonnets car je veux rester dans la simplification et la spontanéité. C’est à partir de ce premier bouton que je vais construire le reste de l’esquisse au bâtonnet rouge.

Les boutons ne sont pas détaillés, ce sont juste des traits de bâtonnets en diagonale. Cela suffit à donner une première forme.

Mise en couleurs :

Mon esquisse étant finie, je vais placer les parties les plus ombrées avec le bâtonnet Terre d’ombre brûlée. J’en profite également pour ombrer les fleurs en bouton.

La couleur terre va assombrir le rouge sans ternir la couleur contrairement au noir qui donnerait un aspect sali.

En revanche pour illuminer le rouge, j’opte pour un orange assez vif qui permet donc d’éclaircir sans affadir comme le ferait un bâtonnet blanc.

J’évite le plus possible d’utiliser le noir car il est trop brutal à l’œil et souvent, il ne représente pas la réalité.

Le fond :

Mon choix s’est porté sur un fond flou et clair que j’ai peint avec différents verts. J’ai utilisé l’estompe en papier sur la sous-couche pour bien étaler les pigments.

Ensuite, j’ai préféré estomper avec le doigt en mouvements circulaires pour avoir des transitions douces. Pour conserver plus de lumière, j’ai ajouté du blanc. Enfin, j’ai vignetté les coins avec du noir pour que les yeux se recentrent sur le milieu du pastel sec.

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Coquelicot à la peinture acrylique

LinkArtStories — Wed, 21 Jun 2023 14:00:00 +0000

Voici un tutoriel pour peindre un coquelicot à la peinture acrylique de manière ultra simplifiée que ce soit au niveau des couleurs, de la forme ou encore des coups de pinceaux.

J’utilise également la technique du One stroke pour un pétale.

Préparez peintures et pinceaux et suivez ce tutoriel pour créer vos propres coquelicots !

Matériel de l'article :

✏ Papier toile Fabriano

✏ Peinture acrylique Winsor & Newton (Rouge de naphtol clair, ocre jaune, blanc de titane, noir de mars et vert olive)

✏ Pinceaux plat, rond et sabre

Démonstration :

Le fond :

Je réalise un fond dégradé d’ocre jaune mélangé à du blanc pour avoir un beige clair.

Le dégradé est linéaire du haut vers le bas : c’est partie la plus foncée. Ce fond représente la couleur du champ de blé.

Je me munis d’un pinceau plat assez large et au fur et à mesure que je vais descendre sur ma feuille je vais ajouter plus de pigments ocre à la peinture blanche de la palette.

Pour bien remplir les aspérités du papier je croise les coups de pinceau. Je n’hésite pas à remonter également sur la couleur du dessus pour avoir des transitions fondues.

Le coquelicot :

En premier, je crée un pétale de couleur rouge de naphtol clair très dilué. Ceci me permet d’apporter de la transparence et de la profondeur.

Les pétales sont peints en éventail. Je plaque mon pinceau plat et je dessine des zigzags avec tout en le reculant. J’ai donc un effet de pétale fripé.

Pour le second pétale je recommence le même procédé sauf que la peinture ne sera pas diluée. Je trempe le pinceau dans la peinture rouge puis je ne mets que le bout d’un angle dans le noir pour déposer les deux couleurs en même temps.

Je finis par peindre la tige avec du vert olive mélangé à du blanc.

Le blé :

Pour peindre les deux épis de blé qui vont suggérer le champ, je me sers de la pointe du pinceau rond qui va donner la forme des grains. Un coup de pinceau est égal à un grain.

La couleur est ocre jaune avec du blanc en moins grande quantité que pour le fond.

Enfin, avec le pinceau sabre je peins les tiges de blé.

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Glycine à l’aquarelle

LinkArtStories — Wed, 17 May 2023 14:00:00 +0000

Cette glycine à l’aquarelle a été peinte en grande partie dans l’humide. Je me suis également servie de l’eau pour étirer les pigments et rendre les bordures plus fondues et floues.

J’aime énormément le contraste entre les parties très nettes et les zones complètement floues.

Pour découvrir la réalisation entière de cette aquarelle, suivez la vidéo jusqu’à la fin !

Matériel de l'article :

✏ Papier 100% coton, 300gr/m², Winsor & Newton

✏ Aquarelle White Nights (Violet de quinacridone, bleu indanthrène, vert de vessie, jaune de naples et voronezhskaya black)

✏ Pinceau rond gamme Azur de la marque Léonard

✏ Pinceau à lavis Winsor & Newton

Démonstration :

1ère étape du fond :

Je mouille intégralement ma feuille. Puis je dépose un mélange de vert de vessie et de voronezhskaya black (équivalent d’un sépia) avec mon pinceau à lavis. Je prends plus ou moins de pigments pour ne pas avoir un fond complètement uniforme.

Ensuite, je crée un mélange de violet quinacridone avec du bleu céruléen et je le place autour de la zone de la grappe. Le papier ayant légèrement séché, le violet ne se diffuse pas trop vers les pétales. Malgré tout je fais attention à ne pas m’approcher trop près des pétales.

Enfin, je rajoute des touches de vert de vessie pur.

Les fleurs :

Je commence par peindre un triangle de jaune de Naples pour le cœur de la fleur. Puis je prends un pinceau propre que j’humidifie sans qu’il n’y ait de grosse goutte d’eau dessus et je le passe le long de la bordure du triangle pour que le jaune se diffuse sur le papier.

Ensuite, je recommence le même procédé pour la partie haute et violette des fleurs. Je garde le mélange que j’avais créé et je le dépose depuis la bordure vers le centre. Je m’arrête avant la partie jaune pour qu’il y ait une zone de papier blanc. Avec le pinceau humide j’étire les pigments de la bordure vers le centre.

2nd étape du fond :

Quand j’ai fini de peindre toutes les fleurs, je passe le sèche-cheveux pour m’assurer que la feuille sera bien sèche avant de passer à la seconde étape du fond.

Après le séchage, je mouille toute la grappe avec le pinceau à lavis et je crée un violet plus bleuté et foncé pour l’intérieur de la grappe.

Cette couleur me permet de donner du volume et de la profondeur en évoquant d’autres fleurs floutées à l’arrière et à l’intérieur.

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Muguet à l’aquarelle

LinkArtStories — Wed, 03 May 2023 14:00:00 +0000

Pour débuter ce mois de mai, je vous propose une aquarelle d’un brin de muguet.

J’y évoque plusieurs techniques pour peindre les fleurs blanches. Je travaille surtout dans l’humide pour cette aquarelle car je souhaitais exacerber le côté flouté.

Toutes mes explications sont à retrouver en intégralité dans la vidéo !

Matériel de l'article :

✏ Papier 100% coton, 300gr/m², Winsor & Newton

✏ Aquarelle White Nights (Vert de vessie, bleu indanthrène, gris de payne et bleu turquoise)

✏ Pinceaux rond et plat gamme Azur de la marque Léonard

✏ Pinceau à lavis Winsor & Newton

Démonstration :

Le brin de muguet :

J’ai déjà mouillé uniquement la zone du brin de muguet. Ensuite, j’ai déposé un mélange de vert de vessie et de bleu indanthrène autour des fleurs blanches. Je fais attention de ne pas être trop prêt de la bordure car le vert va aller sur la zone de la fleur.

Quand j’ai fini de peindre avec le mélange vert, je prends un petit pinceau propre avec de l’eau et je mets des gouttes pour réécarter les pigments vers l’extérieur des fleurs qui ont eu un peu trop de peinture verte. Je dégage principalement la plus grosse clochette car je veux qu’elle soit le plus mis en valeur et plutôt nette.

Quand le papier est sec, je peins les zones foncées des fleurs au gris de payne. Puis, je finis avec les tiges dans un vert différent.

L'arrière-plan :

Je vais utiliser le gros pinceau à lavis pour humidifier tout l’arrière-plan et peindre avec des touches verticales dans l’optique de rappeler les feuilles de muguet.

Je garde un fond assez clair pour marquer la différence entre les deux plans.

J’utilise plusieurs verts et j’ajoute même des touches de bleu turquoise.

Avec un coin de mouchoir, je vais enlever des pigments du fond pour faire apparaître des clochettes dans le lointain.

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Magnolia peinture acrylique

LinkArtStories — Thu, 20 Apr 2023 15:00:00 +0000

Le magnolia est une fleur majestueuse du printemps qui m’a donné l’envie de peindre un tableau réaliste à la peinture acrylique.

J’ai utilisé plusieurs techniques pour réaliser le fond flouté de type bokeh mais aussi différents pinceaux pour les nervures et la texture des branches.

Si vous souhaitez découvrir toutes les astuces que j’ai utilisées pour créer l’intégralité de ce tableau, suivez bien la vidéo jusqu’à la fin !

Matériel de l'article :

Photo de référence : Les magnolias

✏ Papier toile marque Fabriano

✏ Acrylique professionnelle Winsor & Newton (Blanc de Titane, Rouge de Naphtol clair, Bleu outremer, Terre d’ombre naturelle, Alizarine cramoisie, Jaune moyen azo)

✏ Acrylique Sennelier (Blanc de titane)

✏ Acrylique Liquitex (Vert de vessie)

✏ Pinceaux plat, traceur, biseauté, mop et rond

Démonstration :

L'esquisse :

Le fond flouté :

Le fond est déjà peint intégralement à la terre de sienne brûlée. Ensuite, j’ai esquissé la fleur dessus.

Puis, j’ai peint une nouvelle couche de vert de vessie. Elle est assez transparente.

Pour la troisième couche, je mets du vert de vessie plus pigmenté sur lequel j’ajoute des touches de vert de vessie mélangé avec du blanc de titane.

Ces touches de vert clair sont estompées par mouvements circulaires pour se fondre dans le vert de vessie pur grâce au pinceau éventail.

Les pétales :

J’ai commencé par poser les valeurs les plus claires qui se trouvent en haut des pétales. C’est un blanc légèrement rosé.

De plus, j’ai préparé deux mélanges différents avec de l’alizarine cramoisie, du bleu outremer et du blanc. Ainsi, j’ai obtenu une teinte désaturée pour le bas des pétales et une teinte légèrement plus vive qui fera office de couleur de transition entre le blanc rosé et le rose désaturé.

Avec un pinceau traceur, j’ai peint quelques fines nervures.

Les feuilles et la branche :

Les feuilles sont peintes avec du vert de vessie mélangé à du blanc pour garder une cohérence visuelle avec le fond flouté. Sur certaines feuilles, j’ai ajouté plus de blanc ou alors du jaune.

Pour le haut de la branche j’ai pris de la terre de sienne brûlée alors que pour le reste de la branche j’ai utilisé la terre d’ombre naturelle.

J’ai également ajouté du gris clair pour texturer la branche et l’illuminer.

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Marque-pages printemps à l’aquarelle

LinkArtStories — Wed, 29 Mar 2023 14:00:00 +0000

Créez votre propre marque-page de printemps facilement à l’aquarelle.

Il y a le modèle fleurs de cerisiers et le modèle pâquerettes. Vous pouvez bien évidemment les personnaliser à votre goût en changeant la couleur ou la variété des fleurs.

Il ne vous reste plus qu’à regarder attentivement la vidéo pour les reproduire !

Matériel de l'article :

Photos de référence : Fleurs de cerisiers et pâquerettes

✏ Papier 100% coton, 300gr/m², Winsor & Newton

✏ Aquarelle White Nights (Bleu céruléen, carmin, terre de sienne brûlée, vert de vessie, jaune citron et jaune chaud et gris de payne)

✏ Pinceau rond et usé-bombé Azur de la marque Léonard

✏ Pinceau à lavis Winsor & Newton

Démonstration :

Marque-page fleurs de cerisiers :

Je commence par peindre le ciel avec un mélange de carmin et de bleu céruléen.

Puis, je prends un mouchoir et je dégage la partie à droite.

Je peins plusieurs fleurs avec un jus de carmin. Je rajouterai du carmin plus intense ensuite.

Quand les pétales sont finis, je peins les étamines et pistils avec du vert de vessie, du carmin et du jaune.

Je n’ai plus qu’à peindre les tiges au vert de vessie et les branches à la terre de sienne brûlée.

Marque-page pâquerettes :

Je peins une sous-couche dans l’humide avec du vert de vessie plus ou moins concentré et du jaune chaud. Je n’attends pas que le fond sèche, je procède tout de suite au retrait de la peinture en forme de cercle avec l’aide d’un mouchoir.

La sous-couche n’est pas encore sèche, je la renforce avec des brins d’herbe plus pigmentés.

Puis, je dessine le bout des pétales avec le vert foncé en me servant de l’espace négatif, ce qui permet de former les pâquerettes.

Les cœurs sont de couleurs jaunes. J’en utilise deux différents. Enfin, je n’oublie pas l’ombre portée des cœurs et de dessiner les pétales avec du gris de payne dilué.

Finitions :

Pour terminer ce marque-page pâquerettes, je rajoute quelques brins d’herbe très sombres. J’en fais passer quelques-uns au-dessus des fleurs.

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Lilas rose à l’aquarelle

LinkArtStories — Wed, 22 Mar 2023 15:00:00 +0000

L’aquarelle est idéale pour les illustrations florales et permet de laisser libre cours à l’imagination. J’ai donc joué entre les parties suggestives et les parties très détaillées des fleurs de lilas roses.

Le travail dans l’humide est vraiment complémentaire du travail sur le sec.

Pour ne manquer aucun détails de cette création, regardez bien la vidéo !

Matériel de l'article :

Photo de référence : Le lilas rose

✏ Papier 100% coton, 300gr/m², Winsor & Newton

✏ Aquarelle White Nights (Carmin, Vert de Vessie, Bleu céruléen, Gris de payne, Jaune citron)

✏ Pinceaux ronds gamme Azur de la marque Léonard

✏ Pinceau à lavis Winsor & Newton

Démonstration :

Esquisse et lavis :

Je reproduis une esquisse détaillée de quelques fleurs de lilas de bonnes tailles pour pouvoir travailler les détails facilement à l’aquarelle. Je ne les dessine pas toutes puisque le reste du lilas sera flouté.

Puis, je peins un lavis de jus rose clair. C’est un mélange de carmin + bleu céruléen. Il sera utilisé pour les parties lumineuses des pétales.

En revanche, le second mélange (carmin + gris de payne) sera réservé aux zones d’ombre.

Avec ce lavis, les traits de crayon s’amenuisent.

Fleurs en détails :

Pour les fleurs détaillées, on peint avec précision les zones de lumière et ensuite on ajoute les zones d’ombre.

Ainsi, on travaille la nuance des deux mélanges pour avoir des pétales riches en couleur. On peut aussi ajouter de petites nervures très fines avec le mélange le plus foncé.

Enfin, les autres fleurs seront juste suggérées en suivant l’esquisse et en peignant déjà les pétales de couleurs uniformes puis en ajoutant une teinte plus foncée.

Finitions :

Quand les fleurs détaillées et floues sont finies, je mouille à nouveau ma feuille pour peindre dans l’humide la partie basse du lilas ainsi que la zone du feuillage. Je varie les nuances de rose.

De surcroît, je n’oublie pas de peindre avec un rose-violet foncé entre les fleurs du centre pour accentuer l’effet de profondeur.

Enfin, je termine en peignant au jaune citron les cœurs des fleurs.

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