paysage - LinkArtStories

Perspective atmosphérique paysage d’automne

LinkArtStories — Wed, 11 Oct 2023 14:00:00 +0000

La perspective atmosphérique permet de donner de la profondeur à un paysage. Ici je vous montre cette particularité sur un paysage d’Automne.

Le pont arrondi ajoute une autre difficulté à ce pastel sec puisqu’il faut arriver à le construire correctement. C’est un point important que je développe longuement dans la vidéo.

Enfin, je donne une astuce pour créer l’effet brumeux facilement.

Pour ne manquer aucun conseil, suivez bien la vidéo !

Matériel de l’article

Photo de référence : Forêt féérique

✏ Papier pastelmat de Clairefontaine

✏ Pastel bâtonnet Rembrandt (Ocre jaune 227.5, Terre de Sienne brûlée 411.5, Terre d’ombre brûlée 409.5, Blanc 100.5)

✏ Pastel bâtonnet Sennelier (131)

✏ Crayons pastel Faber-Castell Pitt (175,180, 186, 280, 103, 188, 283)

✏ Crayon pastel Caran d’Ache (901 blanc de chine)

✏ Estompe papier

Le pont arrondi :

Perspective atmosphérique en arrière-plan :

Pour créer cette perspective atmosphérique, je pars des cotés externes avec la couleur terre de sienne brûlée puis ocre jaune et enfin beige.

Avant d’ajouter la nouvelle couleur, j’estompe pour répartir les pigments uniformément sur le pastelmat.

Puis, je dépose du beige au centre et j’écarte les pigments vers l’extérieur avec mon doigt pour créer des traces sur le dégradé que je viens de réaliser.

Enfin, au centre, je peins un rond blanc pour illuminer encore plus l’arrière-plan.

En ce qui concerne l’effet de perspective atmosphérique, je l’accentue grâce à la création d’arbres. Je me sers d’un même crayon marron que je vais plus ou moins appuyer sur le papier. Moins j’appuie, plus l’arbre semble loin. Plus j’appuie, plus je le rapproche. Pour apporter encore plus de fondu et de flou, je passe l’estompe sur certains arbres.

Il ne faut pas non oublier que les arbres éloignés seront plus petits (on peut les voir en entier) alors que ceux qui sont près de nous sont plus grands (on ne voit qu’une partie du tronc).

Dégradé du pont :

Une fois que l’arrière-plan est fini, je passe au dégradé du pont qui est plus marqué que celui du paysage.

Au trois couleurs que j’avais choisies, j’ajoute une quatrième, la terre d’ombre brûlée.

Je dépose les pigments dans le sens des planches (donc horizontalement) et des balustrades (donc verticalement).

L’estompe se fait dans le même sens que la dépose pour avoir un dégradé plus abrupte et marqué.

Lames de bois, scintillement et brume :

Pour dessiner les lames de bois j’utilise trois crayons de couleurs différentes en fonctions des parties colorées du pont. Je pars d’un marron sépia jusqu’à un marron plus clair, terre d’ombre naturelle. Je procède de la même manière pour la balustrade.

Les lignes représentant les planches de bois doivent être horizontales et parallèles entre elles. Celles pour la balustrade sont parallèles entre elles. En revanche, elles sont perpendiculaires à celles des planches.

Plus on s’éloigne vers le point de fuite plus les lignes sont fines et proches entre elles que ce soit pour le plancher que pour la balustrade.

Il ne faut pas oublier de surligner au sépia la jonction entre les planches et le début des balustrades et sous le haut de la rampe.

Pour une ambiance lumineuse et féérique, je rajoute des coups de crayons blancs pour créer un effet de scintillement.

Pour finir, je frotte mon doigt sur un bâtonnet blanc et le pose à plusieurs reprises pour donner l’impression qu’il y a une légère brume.

The post Perspective atmosphérique paysage d’automne first appeared on LinkArtStories.

Tout savoir sur les Ink Brush

LinkArtStories — Wed, 04 Oct 2023 14:00:00 +0000

Voici un test complet pour tout savoir sur les Ink Brush de Sennelier avec en prime deux démonstrations, une 100% Ink Brush et l’autre 100% aquarelle réalisées toutes les deux sur du papier 100% coton.

Il y a donc trois parties : la présentation et les réponses aux questions, le test sur toutes les possibilités (non exhaustives) qu’offrent les Ink Brush et la démonstration.

Sur cette page ne sera disponible qu’un aperçu du test, donc pour ne rien manquer sur les Ink Brush, regardez attentivement la vidéo !

Matériel de l'article :

Photo de référence : Plage

✏ Papier Canson mix media imagine, 200g/m2

✏ Papier Fontaine de Clairefontaine, grain torchon nuageux, 300g/m2

✏ Ink brush (Vert jaune, Vert sapin, Bleu primaire, Bleu outremer, Turquoise phtalo, Ocre jaune, Terre d’ombre naturelle)

✏ Aquarelle Winsor & Newton (Outremer, Vert de Vessie, Ocre jaune, Bleu intense)

✏ Aquarelle Royal Talens (Bleu turquoise, Vert de hooker foncé, Crépuscule vert)

✏ Pinceaux gamme Azur de la marque Léonard, rond taille 0 et usé bombé taille 1

✏ Pinceau rond I love art taille 12

Démonstration :

Présentation :

Les Ink brush sont des pinceaux munis d’un réservoir d’encre aquarelle. Cette encre est composée de pigments de haute qualité, respectueuse de l’environnement et est issue des couleurs de La petite aquarelle de Sennelier.

La gamme se compose de 24 couleurs normales et 12 couleurs irisées. Je possède 11 couleurs dans ma palette. Elles sont très vives et intenses mais aussi très tenaces autant sur le papier que sur la peau.

Je suis globalement satisfaite des couleurs hormis le orange, quand il est dilué il tire sur le corail (il a donc un côté rosé), et les bleus (outremer et turquoise) qui, selon moi, sont quasiment des doublons.

Tests :

Le pinceau a des poils très nerveux. Il a également une pointe super fine permettant de peindre des traits d’1mm jusqu’à un peu plus d’1cm.

Les pleins et déliés sont facilités. Il est idéal pour faire de la calligraphie.

Par contre, dès que les traits sont épais, il est nécessaire d’appuyer sur le réservoir pour augmenter le débit et ne pas voir le papier en dessous.

Grâce à la nervosité de sa pointe fine, il est donc possible, entre autres, de créer des tiges, des feuilles, des herbes très facilement.

Démonstration :

Cette encre n’est pas du tout opaque comme peuvent l’être certaines aquarelles.

En outre, l’encre est extrêmement miscible que ce soit entre Ink Brush ou avec de l’aquarelle.

Sur cette peinture, j’ai travaillé l’encre de la même manière que l’aquarelle c’est-à-dire en allant du plus clair au plus foncé.

J’ai humidifié le papier pour travailler dans l’humide pour le ciel, la végétation et l’eau.

On peut voir une belle diffusion des pigments notamment au niveau de la végétation.

Comparaison :

J’ai donc reproduit l’aquarelle en essayant d’être la plus fidèle à la peinture avec les Ink brush. Cependant, c’est quand même difficile de bien doser par rapport à l’eau et à la quantité de pigments sur le pinceau.

En tout cas, on constate quand même qu’avec les Ink Brush, le rendu est plus flou qu’avec l’aquarelle, ce qui semble assez logique puisque c’est de l’encre donc c’est de toute façon plus fluide.

Ink brush

Aquarelle

The post Tout savoir sur les Ink Brush first appeared on LinkArtStories.

Bien placer une ombre portée

LinkArtStories — Wed, 27 Sep 2023 14:00:00 +0000

Savoir bien placer une ombre portée requiert déjà de construire correctement l’élément qui sera éclairé. L’esquisse est donc primordiale puisqu’il ne faut pas seulement dessiner ce que l’on voit mais aussi prendre en compte ce que l’on ne voit pas.

L’Arc de Triomphe est un tétrapyle, il m’a paru judicieux de le prendre comme modèle pour expliquer comment construire l’ombre portée mais aussi le halo lumineux émanant de l’arche de derrière.

On se sert également de la perspective à deux points de fuite. La réalisation de l’esquisse est assez complexe notamment pour bien positionner les arches.

N’hésitez donc pas à vous appuyer sur la vidéo pour avoir la totalité de mes conseils !

Matériel de l'article :

Photo de référence : Arc de Triomphe

✏ Papier Canson Mix Media Imagine, A4, 200g/m2

✏ Ink Brush Sennelier (Turquoise phtalo, Vert jaune, Vert sapin, Gris de Payne)

✏ Aquarelle White Nights (Petersburg ochre et Voronezhskaya black (sépia))

✏ Pinceaux gamme Azur de la marque Léonard, pointe ronde taille 0

✏ Crayons de couleur terre d’ombre et gris Faber Castell

✏ Stylo encre noire Faber Castell Pitt

✏ Stylos de couleur gris

Démonstration :

La construction du tétrapyle :

Cliquez sur les images pour les agrandir !

Dans un premier temps je dois construire un tétrapyle correct avant de pouvoir lui ajouter une ombre portée.

J’ai donc tracé la ligne d’horizon à 9cm du bas de la feuille A4 pris dans le sens du format paysage. Les deux points de fuite utilisés sont de part et d’autre de la ligne d’horizon.

En premier, je marque le bas de l’arête du pied qui sera le plus près de moi. Ce point doit être en dessous de la ligne d’horizon. À partir de ce point, je tire les traits de construction vers les deux points de fuite. Ensuite, je trace l’arête entière en hauteur pour pouvoir créer la forme complète de l’Arc. Puis, je mesure la largeur et la profondeur.

Enfin, je crée la première arche sur la face avant.

Création de l'ombre portée :

Avant de la créer, je dois continuer l’esquisse de l’Arc en dessinant l’arche qui se trouve derrière. Cette arche sera effacée ensuite, puisqu’elle n’est normalement pas visible.

Pour la tracer plus facilement, j’ai marqué l’arrière du tétrapyle en pointillé. Je m’aide toujours des points de fuite. Ce qui est primordial, c’est de pouvoir visualiser le demi-cercle qui constitue le point le plus haut de l’arche.

Une fois que j’ai dessiné cette partie qui est la plus difficile (reportez-vous à la vidéo si vous avez trop de difficultés), je place la source de lumière en arrière de l’Arc. Il se situe dans le coin de droite donc au-dessus du point de fuite. J’ai fait ce choix pour avoir une ombre portée plus simple à construire.

Ensuite, je dois allonger le sol devant le monument, pour cela je me sers des points de fuite initiaux. Puis j’aligne ma règle sur la source lumineuse, le haut de l’arête de la colonne du pied qui est près de moi, et le trait que j’ai prolongé au sol. J’obtiens donc la limite de l’ombre portée.

Enfin, je marque l’emplacement du halo lumineux qui provient de l’arche de derrière en alignant la règle sur la source lumineuse, les différents points qui forment le demi cercle de l’arche et les traits au sol qui sont la prolongation du bas de l’arche.

Je finis mon esquisse par les deux petites arches sur les côtés et les quelques ornements de l’Arc.

Mise en couleurs :

J’ai utilisé en majeure partie les Ink Brush Sennelier pour apporter de la couleur : ciel, arbres et bitume sont peints dans l’humide.

Pour les arbres je suis partie du vert le plus clair au plus foncé. Le gris du bitume doit rester très léger puisque l’on est en plein soleil et l’ombre portée doit restée visible.

Ensuite, le monument est peint avec de l’aquarelle (Petersburg ochre et Voronezhskaya black). Je l’ai d’abord peint complètement en beige avant d’ajouter sur les zones d’ombre le marron foncé. Il est d’ailleurs granuleux et apporte de la texture aux pierres.

Quand tout était sec j’ai ajouté du crayon de couleur pour intensifier certaines ombres et du stylo pour l’ajout de décoration.

The post Bien placer une ombre portée first appeared on LinkArtStories.

Etang en plein air (aquarelle)

LinkArtStories — Wed, 13 Sep 2023 14:00:00 +0000

Me voilà partie pour une balade au château de Fontainebleau qui sera le lieu de ma première aquarelle en plein air.

Je vous propose donc la peinture d’un étang entouré d’arbres avec un petit kiosque posé sur l’eau. Vous verrez que j’ai simplifié le bâtiment. J’ai également fait abstraction de la luminosité changeante pour en fait créer une vision personnelle de ce que je voyais.

De plus j’ai finalisé mon aquarelle à l’aide de différents médiums comme les stylos ou les crayons de couleurs.

Pour ne rien manquer de ma petite escapade et de mes conseils de peinture, suivez bien la vidéo !

Matériel de l'article :

✏ HAHNEMÜHLE WATERCOLOR BOOK 100% COTTON FOR WATERCOLOR 250 G (30 feuilles) PORTRAIT

✏ Aquarelle White Nights (Vert de Vessie, Vert oxyde de chrome, Vert original, Jaune de Naples, Voronezhskaya black (environ = sépia), Terre de sienne, Petersburg ocre, Gris de payne, Azur)

✏ Crayons de couleur jaune et gris foncé

✏ Stylo turquoise

✏ Stylo gel blanc

✏ Pinceaux gamme Azur de la marque Léonard

✏ Posca blanc

✏ Stylo encre noire et encre de chine blanche Faber-Castell

Démonstration :

Le travail de l'étang :

Au vue de l’orientation du soleil, j’ai décidé de peindre en tout premier l’eau. Je savais que la luminosité changerait à cause du déplacement du soleil mais aussi à cause des nuages qui passent.

J’ai donc fixé sur le papier un instant présent qui ne sera pas forcément le même dans 5 minutes. J’ai donc repéré les couleurs de l’eau qui m’intéressaient. On y retrouve une majorité de nuances vertes surtout vers la berge et des reflets bleus qui font référence au ciel.

Je suis donc partie de la couleur vert de Vessie à laquelle j’ai ajouté du marron très foncé (voronezhskaya black). J’ai appliqué cette couleur bien pigmentée sur le long de la berge, là où il y a le plus d’ombre, puis je l’ai dégradée en ajoutant plus d’eau. Ensuite, j’ai repris du vert de vessie seul qui est plus clair que le mélange. J’ai aussi ajouté des touches de jaune chaud pour illuminer. Enfin, j’ai déposé du bleu dilué pour refléter le ciel dans l’eau.

Le travail de la végétation :

Une grande partie de la végétation était dans l’ombre aussi bien les arbres que la pelouse. La pelouse n’ayant pas la même teinte que les arbres j’ai utilisé un vert que je n’utilise pas du tout pour le feuillage pour bien pouvoir les différencier.

Pour les arbres je vais travailler par couches superposées allant du plus clair et flou au plus foncé et détaillé.

Je me suis donc servie de deux teintes principales : le vert de vessie et le vert oxyde de chrome que j’ai éclaircis en ajoutant du jaune ou en diluant plus les pigments ou que j’ai assombris en ajoutant le marron très foncé ou en prenant beaucoup de pigments.

En revanche la pelouse est peinte avec du vert original désaturé avec le marron très foncé.

Le kiosque :

Le kiosque a été réalisé en technique mixte avec une base à l’aquarelle que j’ai renforcée avec du posca, du crayon de couleur et des stylos à encre.

Il est plutôt de couleur beige un peu sali. J’ai donc ajouté une pointe de gris de payne dans la couleur Petersburg ocre. C’est une très jolie couleur pour le sable mais aussi pour les murs de construction.

Le posca et autres stylos à encre blanche m’ont permis d’amener de la luminosité. Le stylo turquoise amène plus de présence aux entourages de fenêtres. Quant aux couleurs foncées (gris et noir) elles m’ont permis d’amener de la profondeur.

Le reflet est peint avec le feutre à encre de chine blanche que j’ai gommé juste après l’avoir déposée.

The post Etang en plein air (aquarelle) first appeared on LinkArtStories.

Daily vlog summer paysage à l’aquarelle

LinkArtStories — Wed, 16 Aug 2023 14:00:00 +0000

L’été est idéal pour partir en balade à la recherche d’un coin ombragé pour dessiner à l’extérieur.

Dans ce daily vlog, je vous emmène pendant une après-midi à travers mon quotidien entre mes peintures à l’atelier (projets de concours, portrait à peindre pour offrir etc.), les balades pour trouver un endroit sympathique pour remplir mon carnet de voyage et un peu de cuisine.

L’article sera centré uniquement sur l’aquarelle que j’ai peinte de mémoire, donc pour voir l’intégralité de mes activités il faudra visionner la vidéo !

Matériel de l'article :

✏ HAHNEMÜHLE WATERCOLOR BOOK 100% COTTON FOR WATERCOLOR 250 G (30 feuilles) PORTRAIT

✏ Aquarelle Royal Talens (Crépuscule vert)

✏ Aquarelle White Nights (Bleu céruleum, Voronezhskaya black, Vert oxyde de chrome, vert de vessie, gris de payne, bleu azur cobalt, terre de sienne, vert original, ocre de st Pétersbourg)

✏ Pinceaux gamme Azur de la marque Léonard

Démonstration :

Le fond :

J’ai travaillé le fond dans l’humide avec le bleu azur cobalt. C’est un très joli bleu qui est lumineux et qui a plus d’intensité que le bleu céruléen.

Ensuite, pour la partie de la forêt, j’ai choisi le vert oxyde de chrome pour son côté désaturé, doux et chaud. Je ne voulais pas que ce soit trop foncé car il fallait qu’il y ait du contraste avec les arbres qui seront devant.

J’ai donc déposé les pigments de manière aléatoire par touche de pinceau. Ensuite, uniquement sur les cimes, j’ai ajouté du vert de vessie dilué pour apporter un vert plus clair et lumineux.

Le cours d'eau :

L’eau était très désaturée. J’ai donc choisi de créer deux mélanges à base de bleu céruléen. Le premier a été mélangé avec du vert oxyde de chrome ce qui donne une teinte vert d’eau désaturée alors que le second a été mélangé avec du Voronezhskaya black pour avoir un bleu gris.

Avant de commencer à peindre l’eau, j’ai mis du drawing gum en stylo au niveau du bas de la chute d’eau.

Puis, j’ai commencé à peindre avec le mélange le plus clair (vert x bleu) et ensuite j’ai ajouté du bleu gris.

Enfin, j’ai attendu que le papier sèche un peu pour ajouter le mélange bleu gris encore plus pigmenté.

Il faut bien faire attention à la position des touches de pinceaux qui doivent être dans la diagonale.

La partie de la petite cascade sera peinte par petits traits verticaux avec une peinture plus diluée jusqu’à une peinture plus pigmentée.

La maison et la végétation :

Le bâtiment était assez clair. Je suis donc restée sur les mêmes teintes en utilisant du beige et de la terre de sienne. Le gris de payne m’a servi pour la cheminée et l’intérieur des fenêtres.

Pour l’herbe, j’ai choisi un vert totalement différent, plus vif, pour qu’il y ait un contraste entre les arbres et le sol herbeux.

Les ombres portées sont toutes peintes sur la droite avec du voronezhskaya black.

Pour les arbustes, j’ai pris du crépuscule vert. C’est une couleur très sombre qui est granuleuse. Je l’ai mise surtout au centre de manière très pigmentée et plus diluée sur l’extérieur. J’ai ajouté aussi quelques touches de vert de vessie.

The post Daily vlog summer paysage à l’aquarelle first appeared on LinkArtStories.

Paysage acrylique inspiration Studio Ghibli

LinkArtStories — Wed, 02 Aug 2023 14:00:00 +0000

Studio Ghibli c’est une production de magnifiques films d’animation tous plus inspirants les uns que les autres pour les artistes.

Le Voyage de Chihiro fait partie des chefs-d’œuvre de Miyazaki où l’on plonge dans les traditions japonaises.

J’ai choisi un joli paysage où une maison se trouve entre ciel et eau. C’est l’occasion d’évoquer le choix des couleurs et comment reproduire des effets de reflets et de vagues.

Pour ne manquer aucune explication, regardez jusqu’à la fin de la vidéo !

Matériel de l'article :

✏ Papier toile Fabriano

✏ Peinture acrylique pro Winsor & Newton (Jaune moyen azo, Alizarine cramoisie permanent, Bleu de phtalo, Bleu outremer, Vert olive, Vert phtalo, Noir de Mars)

✏ Peinture Liquitex (Vert de vessie permanent)

✏ Peinture Lefranc Bourgeois (Blanc de Titane, Ocre jaune, Terre de Sienne brûlée, Terre d’ombre brûlée)

✏ Pinceaux Princeton rond, biseauté et plat

✏ Pinceau Silver mop

Esquisse :

Démonstration :

Le ciel :

Je commence déjà par peindre un dégradé pour le ciel du plus foncé en haut au plus clair en bas. Pour ceci, j’ai mélangé du bleu phtalo et du bleu outremer. J’ai ensuite ajouté du blanc de titane pour l’éclaircir. Plus je descends dans le ciel plus j’ajoute du blanc à la peinture.

Les nuages sont composés de deux teintes dans différents tons. Les parties foncées sont bleu-violet désaturées alors que les parties lumineuses sont ocre orangées claires et désaturées.

En premier, j’ai peint les zones foncées et à chaque fois j’ai éclairci la couleur de base avec du blanc. Puis j’ai peint les zones claires en réalisant le même processus.

Pour donner un effet cotonneux on peut soit prendre un pinceau mop et le tamponner sur la zone concernée soit garder le pinceau rond et frotter la pointe en cercle. Les poils ne doivent pas contenir trop de peinture et doivent être secs.

L'eau :

L’eau est aussi composée d’un dégradé mais inversé par rapport au ciel. La partie haute est plus claire que la partie basse.

Près de l’horizon nous avons un gris coloré nuance turquoise et vers le bas de la feuille un turquoise qui est désaturé.

Pour réussir l’eau il faut peindre dans le sens horizontale à l’aide d’un pinceau plat. On utilise la tranche de celui-ci pour créer des vaguelettes.

Les reflets du ciel et de la maison sont peints avec le pinceau rond et avec la même technique que pour les nuages : peu de peinture sur des poils secs.

Attention : Contrairement aux nuages où les mouvements étaient circulaires ceux-ci seront horizontaux.

L'îlot :

La maison est assez simple au niveau des couleurs. J’ai repris les mêmes que pour les nuages notamment. J’ai aussi utilisé du gris foncé pour les zones d’ombre et donner de la profondeur.

Par rapport à la végétation, j’utilise 3 verts différents : un vert sombre (vert de vessie + bleu outremer), un vert moyen lumineux (vert de vessie + jaune moyen azo) et un vert très clair (vert olive + jaune moyen azo).

Que ce soit pour l’herbe ou pour l’arbre, je commence par déposer le vert sombre puis le vert moyen et ensuite le clair.

Pour réaliser le feuillage, je tapote la pointe de mon pinceau rond à la verticale sur la feuille.

The post Paysage acrylique inspiration Studio Ghibli first appeared on LinkArtStories.

Rochers : texture et ombre, peinture acrylique

LinkArtStories — Wed, 26 Jul 2023 14:00:00 +0000

Tableau à la peinture acrylique qui a pour thème des rochers sur fond de plage.

Je vous parle des couleurs choisies pour donner l’impression que les rochers sont dans un environnement lumineux. Je vous montre comment je les texture. Vous verrez aussi comment placer l’ombre portée d’un autre élément qui se projette sur le sommet d’un rocher.

Pour ne rien rater de tous les conseils, suivez bien la vidéo jusqu’à la fin !

Matériel de l'article :

✏ Papier toile Fabriano pour peinture acrylique

✏ Peinture acrylique (Terre de Sienne brûlée, Ocre jaune, Terre d’ombre brûlée, Blanc de Titane, Vert de Vessie, Noir de Mars et Bleu outremer)

✏ Pinceaux Princeton (biseauté et rond)

✏ Pinceaux Silver (Mop et liner)

Démonstration :

Couleurs des rochers :

Dans cette peinture je souhaite donner l’impression que les rochers sont baignés dans la lumière.

Je vais donc utiliser des couleurs chaudes et froides. La couleur froide est placée près du sommet et la couleur chaude sur le bas du rocher.

Entre les deux, il y a une zone de transition où les deux couleurs se mélangent pour former un gris.

En couleur chaude je vais prendre un mélange de terre de sienne brûlée et d’ocre jaune. Pour la couleur froide ce sera un gris légèrement bleuté (bleu outremer).

Placer les ombres :

Une fois que la sous-couche et l’ajout de peinture pour texturer la roche sont finis, je peins le sable en ajoutant une touche d’ocre jaune dans du blanc de titane.

Puis, je peins l’ombre portée des rochers avec une première sous-couche faite avec de la terre d’ombre brûlée. En revanche, je peins l’ombre d’occlusion avec de la terre d’ombre brûlée à laquelle j’ai ajouté un peu de bleu outremer pour la foncer.

Pour l’ombre portée des herbes qui se trouve sur le rocher du milieu, je conserve la même couleur mais dans une nuance plus claire.

Ces ombres doivent épouser la forme du rocher et s’arrêter avant d’être trop dans la zone d’ombre (partie de gauche pour cette roche). Je n’oublie pas d’ajouter des traits en décalé (sur la droite) car l’ombre se continue plus bas dans le sable.

Finitions :

Ensuite, je vais ajouter des détails. Je texture ma plage avec un beige plus foncé et des passages de pinceau sec.

Je passe aussi un glacis de beige sable sur l’ombre portée des roches pour éclaircir et flouter la bordure. De plus, j’ajoute également un glacis de gris foncé pour obtenir une ombre portée sur le rocher du haut. Enfin, je dépose du blanc de titane pur pour exacerber la lumière sur le sommet des rochers.

En finition, je peins au vert de vessie des herbes pour apporter de la couleur et de la variété à la composition.

The post Rochers : texture et ombre, peinture acrylique first appeared on LinkArtStories.

Palmier réaliste à l’aquarelle

LinkArtStories — Wed, 19 Jul 2023 14:00:00 +0000

Voici tous mes conseils pour dessiner et peindre à l’aquarelle un palmier de façon réaliste.

Je reviens sur le dessin des palmes, les caractéristiques du tronc. Puis je vous parle des couleurs à employer en peignant le palmier avec sa plage de sable fin.

Pour ne rien rater des conseils et astuces, regardez la vidéo jusqu’à la fin.

Matériel de l'article :

✏ HAHNEMÜHLE WATERCOLOUR BOOK 100% COTON 250 G

✏ Aquarelle Royal Talens ( Bleu turquoise, Bleu céruléen)

✏ Aquarelle White Nights (Petersburg ochre, Voronezhskaya black, Indanthrene blue light, sap green, raw sienna)

✏ Pinceaux ronds gamme Azur de la marque Léonard

✏ Pinceau à lavis Winsor & Newton

Démonstration :

Les caractéristiques du palmier :

Les palmes peuvent être vues de face, ainsi on verra deux rangées de feuilles, ou de profil et alors on ne distinguera qu’une seule rangée de feuille.

Pour qu’elles aient l’air naturel, la tige doit comporter généralement 1 à 2 cassures anguleuses.

Quant aux feuilles, elles ne doivent pas être toutes de la même longueur et elles doivent suivre les pliures de la tige. De plus, les palmes seront plus jolies si les feuilles ne vont pas toutes dans le même sens.

Le tronc, lui, est plutôt penché. On a rarement des palmiers très droits en bordure de plage. Il a également des marques irrégulières qui font ou ne font pas le tour de celui-ci.

Ciel, mer et plage :

Après avoir dessiné l’esquisse du paysage (la ligne pour la plage et celle pour l’horizon), j’ai dessiné la structure du palmier.

Puis, j’ai commencé par peindre le ciel dans l’humide avec du bleu céruléen.

Ensuite, j’ai peint la mer et la plage en même temps et en faisant attention de ne pas déborder sur le tronc. Pour les quelques vagues, il faut suivre le point de fuite qui se trouve sur la droite en hors champs (visible sur la vidéo).

Le palmier :

Dans cette dernière étape je peins le tronc dans l’humide avec une couleur de type sépia et très diluée. Puis, je le laisse sécher et je commence à peindre les palmes.

Je fais bien attention de repérer celles qui sont de face et de profil. Il y en a aussi en haut qui doivent être peintes de face. J’utilise principalement la couleur vert de vessie et je tiens mon pinceau à la verticale pour que ce soit juste la pointe du pinceau rond qui trace la feuille. Je n’appuie que très légèrement pour élargir le centre de la feuille.

Pour ajouter de la variété de feuillage, je peins, dans l’ombre, des feuilles vert foncé.

Enfin, je termine en peignant les marques du tronc et l’ombre portée au bas du celui-ci.

The post Palmier réaliste à l’aquarelle first appeared on LinkArtStories.

Peindre rapidement des nuages à l’acrylique

LinkArtStories — Wed, 31 May 2023 14:00:00 +0000

Tutoriel assez court pour vous montrer comment peindre rapidement et facilement des nuages à la peinture acrylique.

Vous saurez tout entre choix des couleurs et des pinceaux, mélanges, processus de peinture et maniement de la profondeur.

Ne rater rien en regardant l’intégralité de la vidéo !

Matériel de l'article :

Photo de référence : Les nuages

✏ Papier toile Fabriano

✏ Peinture acrylique Winsor & Newton (Blanc de titane, noir de mars, bleu outremer, bleu phtalo)

✏ Pinceau plat et biseauté marque Princeton

✏ Pinceau mop marque Silver

Tutoriel :

Le ciel :

Je prépare mes couleurs pour créer un camaïeu de bleu pour le ciel.

J’utilise pour cela trois couleurs : le blanc de titane, le bleu outremer et le bleu phtalo.

Je commence déjà par mélanger le blanc et le bleu outremer puis j’ajoute du bleu phtalo jusqu’à obtenir un bleu clair mais soutenu.

Avec un pinceau plat, je peins le premier tiers haut de la feuille. Je n’hésite pas à croiser mes coups de pinceaux pour ne pas laisser apparaître le blanc du papier.

Puis, j’éclaircis le mélange avec du blanc pour pouvoir peindre le deuxième tiers. Comme la peinture a déjà séché, je reprends la couleur du haut et je la fonds avec la nouvelle sur la bordure.

Enfin, j’éclaircis le mélange une dernière fois pour peindre le troisième tiers.

Les nuages :

Pour les nuages, je vais créer un gris bleuté que j’éclaircirai par la suite avec du blanc.

Je mélange pour cela du blanc de titane avec du noir de mars. J’ajoute ensuite du bleu d’outremer.

Je prends un pinceau biseauté pour peindre la sous-couche du nuage avec le gris bleuté. Elle va me permettre de donner la future forme des nuages et de poser les parties ombrées.

Ensuite, plus j’irai vers le haut des nuages plus je vais éclaircir le mélange.

Je vais donc m’aider d’un pinceau mop pour donner les formes arrondies et voluptueuses des nuages en tapotant le pinceau avec une peinture très peu humidifiée.

Finitions :

Quand j’ai fini de peindre le corps du nuage, j’ajoute des touches de blanc pur à certains endroits, toujours avec le pinceau mop. Cela apporte des éclats lumineux.

Enfin, pour augmenter l’effet de profondeur dans le ciel, j’ajoute des nuages plus légers et plus transparents. Je conserve mon pinceau mop, il est sec et peu chargé. Je le frotte doucement sur les parties bleutées du ciel en l’inclinant de façon à ce qu’il soit parallèle au papier.

The post Peindre rapidement des nuages à l’acrylique first appeared on LinkArtStories.

Aquarelle forêt et rochers (vlog)

LinkArtStories — Fri, 14 Apr 2023 15:00:00 +0000

Voici un petit vlog en forêt de Fontainebleau dans laquelle j’ai esquissé une partie du paysage rocheux avec les pins. Je l’ai ensuite mise en couleurs à l’aquarelle.

Je travaille principalement dans l’humide pour cette peinture.

Pour une petite balade détente en forêt et une aquarelle sur le thème des rochers, visionnez la vidéo jusqu’au bout !

Matériel de l'article :

✏ Papier 100% coton, 300gr/m², grain torchon nuageux, Clairefontaine.

✏ Aquarelle White Nights (Vert de vessie, Vert oxyde de chrome, Bleu céruléen, Bleu indanthrène, Terre de sienne brûlée, Ocre jaune, Gris de payne, Voronezhskaya black)

Démonstration :

L'arrière-plan :

Je travaille la majorité de la peinture dans l’humide. Je commence par l’arrière-plan. Je le mouille intégralement. Puis je passe du bleu céruléen sur l’intégralité du ciel.

Ensuite, je peins les arbres en commençant par leur feuillage. J’ai utilisé trois verts différents. Le vert de vessie est le vert le plus lumineux, le vert oxyde de chrome est un vert moyen. Le dernier vert est un mélange de vert oxyde de chrome avec de l’indanthrène et du marron foncé type sépia.

Je dépose les pigments par touche pour qu’ils se diffusent tout seul dans l’humide.

Enfin avec le marron le plus foncé, je peins des troncs assez fins car ils sont éloignés.

Je respecte la perspective en ne mettant que peu de pigments dans le fond pour avoir des couleurs claires et floues.

Les rochers :

J’humidifie les rochers un à un pour les travailler chacun leur tour et pour que la peinture ne déborde pas.

Comme mon papier est en grain torchon nuageux, la texture granuleuse des rochers se réalise toute seule puisque les pigments vont soit s’écarter soit se rassembler.

J’ai utilisé le gris de payne d’abord en le diluant puis en prenant de plus en plus de pigments.

De plus, pour les rochers de droite j’ai ajouté le mélange de terre de sienne brûlée + gris de payne.

Je place les lumières et les ombres par rapport à la photo de référence et mon ressenti.

Finitions :

Je rajoute les troncs sur papier sec ainsi que les touches de pinceau qui rappellent les aiguilles de pin.

De surcroît, je peins quelques taches de verdure entre les rochers.

Enfin, je dépose de tout petits traits marron foncé sur le sol pour donner l’impression que des aiguilles de pin sont tombées.

The post Aquarelle forêt et rochers (vlog) first appeared on LinkArtStories.